Giulia Valle: "Ich zog die Kleidung meines Bruders an, um keine Aufmerksamkeit zu erregen"

PalmaSeit mehr als drei Jahrzehnten ist sie eine der führenden Kontrabassistinnen und Komponistinnen des nationalen und internationalen Jazz. Sie hat eigene Projekte geleitet, die Bühne mit einigen der ganz Großen des Genres geteilt und präsentiert an diesem Samstag im Port d'Andratx (Studio Weil) Gehirn im Team. Neurowissenschaften für Leistung und Motivation in Musik (und anderen Künsten), ein Buch, das seine künstlerische Erfahrung mit jahrelanger Forschung über das Gehirn, Kreativität und Motivation verbindet. In diesem Interview reflektiert er über Jazz, die Musikindustrie, die Rolle der Frauen und die Notwendigkeit, Musik als Kommunikationsmittel zu verstehen.

Seit Jahren leiten Sie eigene Projekte. Wann hatten Sie das Gefühl, dass Sie nicht mehr nur Musik interpretieren, sondern sie mit Ihrer eigenen Stimme erklären wollten?

— Es war ein sehr natürlicher Prozess. Während meiner Ausbildung zum Musiker verspürte ich das Bedürfnis, mich auch durch Komposition auszudrücken. Wenn man ein Ziel hat, hört das Studium auf, eine Verpflichtung zu sein, und wird zu einem Werkzeug. Alles, was ich lernte – Harmonielehre, Komposition und Orchestrierung – ergab Sinn, weil es mir erlaubte, meine eigene Musik zu schreiben. Ich sage immer, um einen Fußballvergleich zu ziehen, dass ich gerne gleichzeitig Trainerin und Mittelfeldspielerin bin.

Wenn Sie komponieren, was kommt normalerweise zuerst: eine Idee, eine Emotion oder der Klang des Kontrabasses?

— Immer eine Intuition. Kreativität entsteht aus einem Funken, den man dann mit Wissen und Erfahrung aufbaut. Aber letztendlich sind viele Entscheidungen intuitiv. Es ist auch wichtig, die Antennen immer ausgestreckt zu halten: ein Gespräch, ein Geräusch oder ein Rhythmus, den man auf der Straße hört, können sich in Musik verwandeln.

Macht es noch Sinn, über Jazz als Genre zu sprechen, oder ist es heute vor allem eine Art, Musik zu verstehen?

— Für mich ist das eine Art, Musik zu verstehen. Jazz integriert sehr unterschiedliche Einflüsse: klassische Musik, populäre Musik, Improvisation und ein großes Verständnis für musikalische Architektur. Es ist eine offene Musik, die aufnimmt, was sie interessant findet. Deshalb ist es unmöglich, Jazz auf einen einzigen Stil zu reduzieren: Es gibt sehr viele Arten, Musik zu machen, die darin koexistieren.

Jazz hat immer noch den Ruf, eine Nischenmusik zu sein. Ist es eine Frage des Publikums, der Programmgestaltung oder von Vorurteilen?

— Von den drei Dingen. Aber ich glaube auch, dass wir Musiker eine Mitverantwortung tragen. Wenn ein Vorschlag übermäßig intellektuell ist, kann er die Verbindung zum Publikum verlieren. Musik muss sowohl den Kopf als auch das Herz erreichen. Auch die Branche hat sich komplett verändert. Als ich anfing, hatte die Aufnahme einer Platte einen Verlauf: Es gab Plattenfirmen, Festivals und Fachmedien. Jetzt wird Musik hauptsächlich über Wiedergabelisten konsumiert, und Jazz ist aus diesem System weitgehend herausgefallen. Hinzu kommen Vorurteile. Viele Leute denken, Jazz sei schwierige Musik, weil sie ihn einmal gehört und keine Verbindung dazu gefunden haben. Aber Jazz muss man nicht verstehen, man muss ihn fühlen.

Gibt es immer noch Situationen, in denen eine Frau in der Welt des Jazz mehr beweisen muss als ein Mann, oder beginnt diese Phase bereits hinter uns zu liegen?

— Als ich anfing, ja. Tatsächlich sagt eine Musikwissenschaftlerin, die meinen Werdegang studiert hat, dass ich, wenn ich ein Mann gewesen wäre, wahrscheinlich einen anderen Weg eingeschlagen hätte. Viele Jahre lang versuchte ich, unauffällig zu bleiben. Ich trug sogar die Kleidung meines Bruders, um keine Aufmerksamkeit zu erregen. Ich wollte, dass man mich nach meiner Musik beurteilt, nicht danach, dass ich eine Frau bin. Ich habe immer geglaubt, dass Musik das Geschlecht überschreiten sollte. Ich habe Projekte abgelehnt, die ausschließlich aus Frauen bestanden, weil ich es vorziehe, dass Musiker nach Talent und nicht nach Geschlecht ausgewählt werden. Jetzt ist die Situation anders und ich begrüße, dass mehr Frauen auf Festivals sind. Aber ich sehe auch ein anderes Problem: das Alter. Es scheint, dass nur Platz für Neues und Jugend gibt, während in anderen Ländern erfahrene Musiker weiterhin eine sehr wichtige Rolle spielen.Als ich in den 90er Jahren anfing, gab es kaum Kontrabassistinnen, und außerdem wollte ich meine eigenen Projekte leiten. Es war nicht einfach, aber es war eine großartige Schule.

Sie haben die Bühne mit vielen Musikern geteilt. Welche Qualitäten suchen Sie bei Ihren Reisegefährten, abgesehen vom Talent?

— Ich habe gelernt, dass Führen bedeutet, sich um die Menschen zu kümmern, die man an seiner Seite hat. Ich suche Musiker mit Vorstellungskraft, Zuhörfähigkeit und Anpassungsfähigkeit. Ich mag es, wenn sie Persönlichkeit einbringen und dabei helfen, Musik zu schaffen, die, obwohl sie anspruchsvoll ist, das Publikum erreicht. Außerdem fühle ich mich sehr glücklich, denn in diesem Land gibt es außergewöhnliche Musiker. Auf Mallorca gibt es besonders einen beeindruckenden Pool an Talenten.

Verändert die Darbietung in so einzigartigen Orten wie dem Studio Weil und dem Schloss Bellver die Art und Weise, wie man ein Konzert angeht?

— Ja. Orte wie Bellver haben eine besondere Magie, aber auch wichtige akustische Herausforderungen. Als Musiker passen wir uns an. Am Ende trägt der Charme des Ortes viel bei, auch wenn es technisch gesehen manchmal einfacher ist, in einem kleinen Raum mit guter Akustik zu spielen.

Improvisation ist das große Symbol des Jazz. Ist es auch eine gute Lebensphilosophie?

— Mehr als improvisieren würde ich von Anpassungsfähigkeit sprechen. Mit den vorhandenen Mitteln zu improvisieren ist sehr nützlich, aber ohne jeglichen Plan zu leben, ist zumindest für mich unmöglich.

Wenn Sie eine einzige Jazz-Theorie demontieren müssten, welche wäre das?

— Dass Jazz nur Improvisation ist. Improvisation gibt es, aber dahinter stecken viele Stunden Studium, Noten und eine sehr ausgearbeitete Struktur. Improvisieren bedeutet nicht, ohne Vorbereitung zu spielen.

Sie haben das Buch Cerebro en equipo. Neurociencia para el desempeño y la motivación en Música (y otras Artes) geschrieben. Was bedeutet es für Sie?

— Es ist wahrscheinlich mein wichtigstes Vermächtnis, zusammen mit der Musik. Es entstand nach einem Burnout und sechs Jahren Forschung darüber, wie das Gehirn Kreativität, Motivation und künstlerische Leistung beeinflusst. Ich möchte, dass es anderen Musikern hilft zu verstehen, dass viele kreative Blockaden eine neurobiologische Erklärung haben und dass sie bewältigt werden können.

Wenn Sie nur eine einzige Lektion aus diesem Forschungsprozess mitnehmen könnten, welche wäre das?

— Zu verstehen, wie das Gehirn funktioniert, verändert die Art und Weise, wie man Kreativität erlebt. Wenn man weiß, dass mangelnde Motivation oder Blockaden eine biologische Erklärung haben, hört man auf, sich selbst die Schuld zu geben, und lernt, damit umzugehen. Dieses Wissen möchte ich gerne teilen, sowohl auf der Bühne als auch daneben.