Marta Torrella (Tarta Relena): „Wir integrieren verschiedene Sprachen; jede hat ihre eigene Weltanschauung.“

PalmaNachdem sie das traditionelle Repertoire aus einer zeitgenössischen Perspektive ihrer frühen Werke erforscht hatten, tauchten Tarta Relena in das tragische Denken, Orakel und die Beziehung der Menschheit zur Ungewissheit der Zukunft ein, um És pregunta (2024) zu schreiben und erklingen zu lassen, einer Platte, die vollständig von dem Duo Helena Ros und Marta Torrella produziert wurde. Mit dem Motto 'weniger ist mehr' im Gepäck bietet Tarta Relena eine Sammlung von Liedern, die die Vergänglichkeit erzählen und ihre Live-Auftritte zu einem Ritual machen. Die Stimmen sind das Hauptinstrument, und die verschiedenen Sprachen, in denen sie singen, bringen unterschiedliche 'Weltanschauungen' in die Platte ein. Sie werden sie am 31. Juli im Garten des Casa Llorenç Villalonga in Binissalem im Rahmen des Festivals La Lluna en Vers präsentieren. Wir sprachen mit einer von ihnen, Marta Torrella.

Wie entstand die Idee zu És pregunta und was wolltet ihr mit dieser Platte erforschen?

— Schon bevor wir anfingen zu spielen, war uns sehr klar, dass wir ein Album über tragisches und orakelhaftes Denken machen wollten. Uns interessierte es zu reflektieren, wie wir uns als Menschheit der Unsicherheit der Zukunft stellen und dem ständigen Bedürfnis, wissen zu wollen, was uns passieren wird. Im Laufe der Geschichte haben wir unzählige Wege gesucht, um vorherzusagen, was kommen wird, aber selbst wenn wir Anzeichen und Prophezeiungen haben, ändert dies fast nie den Ausgang. Das Album versucht, verschiedene Arten, sich dem eigenen Schicksal zu stellen, und auch die verschiedenen Stimmen, die von diesem Geschehen sprechen, widerzuspiegeln.

Wie haben Sie dieses konzeptionelle Universum ins Live-Format übertragen?

— Live wollten wir eine Art Ritual, fast schon magisch, erschaffen. Unsere Rolle ist es, auf irgendeine Weise diese Charaktere zu verkörpern, die einem Schicksal entgegentreten, das ihnen nicht gefällt, oder die das, was gleich geschehen wird, ohne große Gemütsbewegung ankündigen. Seit ungefähr anderthalb Jahren spielen wir dieses Konzert und haben es durch Europa, die Vereinigten Staaten und Mittelamerika getragen. In dieser Zeit ist es enorm gewachsen. Wir haben ihm nach und nach neue Nuancen, neue Wege, das Publikum von einer Stimme zur anderen zu führen, hinzugefügt, bis das Konzert zu einer vollständigen Erzählung wurde.

Welche Lektüre macht ihr heute über das tragische Denken?

— Wenn man ein wenig kratzt, findet man eine ziemlich allgemeine Akzeptanz der Vergänglichkeit und der Tatsache, dass am Ende alles vorbei ist. Narrativ leben wir normalerweise im Drama, aber wir waren daran interessiert, von der griechischen Tragödie auszugehen, in der die Charaktere gegen ihr Schicksal kämpfen, ohne ihm entkommen zu können, weil es unwiderlegbar ist, um uns vor allem auf einen Blick zu konzentrieren, der nicht beurteilt, was passieren wird, und der einfach annimmt, dass es unvermeidlich ist. Es gibt viele Möglichkeiten, darüber zu sprechen und sich damit auseinanderzusetzen, aber alle gehen von einer übergeordneten Stimme aus, die dieses Schicksal verkündet.

Warum ist die Vielfalt der Sprachen in Ihrer Musik so wichtig?

— Einerseits gibt es eine rein phonetische Frage. Wir mögen es, die Stimme als Instrument zu verstehen, und jede Sprache bietet uns eine andere Farbe und Klang. Während des Kompositionsprozesses ist uns passiert, dass wir eine Idee und einen Text hatten, die in einer bestimmten Sprache nicht ganz funktionierten. In Tausend Antworten, zum Beispiel war der Text ursprünglich auf Spanisch, aber etwas passte nicht ganz. Als wir ihn auf Italienisch ausprobierten, kam plötzlich die Energie auf, die wir suchten. Aber es gibt auch eine Frage der Bedeutung. Uns interessiert es, verschiedene Sprachen einzubinden, weil jede ihre eigene Weltanschauung hat. Egal, ob Sie Katalanisch, Latein oder eine andere Sprache verstehen oder nicht, jede aktiviert eine andere Vorstellungswelt und eine Reihe von Bedeutungen.

Welche Lektüren oder welche Quellen haben Sie vor der Erstellung der Platte konsultiert?

— Vor allem gibt es eine Analyse der klassischen Tragödie, insbesondere von Sophokles. Auch die Lesart Nietzsches hat uns sehr interessiert, wenn er argumentiert, dass diese Struktur grundlegend für das europäische Denken ist. Von hier aus begannen wir, nach anderen orakelhaften Formen jenseits des klassischen Griechenlands zu suchen: dem Tarot, den Sirenen, der Sibylle, der Himmelsdeutung... Wir wollten all diese Wege erforschen, die Kulturen hatten, um sich mit der Zukunft zu verbinden.

Dies ist die erste Platte, die komplett von Ihnen produziert wurde. Was hat sich geändert?

— In früheren Arbeiten hatten wir mit anderen Produzentinnen und Produzenten zusammengearbeitet. Trotzdem bleibt die Philosophie dieselbe: Wir versuchen, so wenige Zutaten wie möglich zu verwenden. Manche Lieder sind barocker als andere, aber wir versuchen immer, ein Stück zu produzieren und dann Elemente herauszunehmen, um zu sehen, ob es weiterhin funktioniert. Wir denken viel über den Raum nach, in dem die Musik erklingt. Was erklingt dort noch, abgesehen von den beiden Stimmen? Wie können wir ein theatralisches oder szenisches Element im Kopf des Zuhörers erzeugen? Wir mögen es, wenn sich ab dem Klang ein mentaler Film beginnt.

Wie versteht ihr die Beziehung zwischen der Aufnahme und dem Live-Auftritt?

— Wir halten es nicht für notwendig, die Platte so zu reproduzieren, wie sie ist. Jeder Raum verändert die Erfahrung vollständig. Wir haben ein Lichtdesign, das uns hilft, die Räume, die wir uns vorstellen, neu zu erschaffen, aber die Bühne, die Akustik und die Art und Weise, wie das Publikum das Konzert sieht, definieren die Erfahrung stark. Wir versuchen uns auch an jeden Ort anzupassen, sogar die Wahl der Kleidung hängt vom Raum ab, in dem wir auftreten.

Fühlen Sie sich ein wenig wie ein Kanal, in dem Sinne, dass viele orakelhafte Figuren es waren?

— Ja, aber ich glaube, das sind wir alle ein bisschen. Es gibt Dinge, die wir wissen, ohne genau zu wissen, woher sie kommen, als ob sie bereits in den Zellen wären. Wenn wir Musik machen, haben wir das Gefühl, dass alles schon gesagt ist und dass die Aufgabe der Künstler darin besteht, Dinge, die bereits existieren, neu zu deuten und zu formulieren. Manchmal hat man das Gefühl, dass jemand einem das Wort weitergibt. Man weiß nicht immer genau, was man tut, aber die Intuition führt einen dorthin. In diesem Sinne gibt es etwas von dieser Rolle als Kanal.