Vierzig Aufführungen und seit vielen Jahren ausverkauftes Haus sind ein guter Grund zur Freude, und natürlich ist es eine der besten Möglichkeiten, die Saison mit einer Aufführung von Rigoletto abzuschließen und dem Ereignis Gerechtigkeit widerfahren zu lassen. Es birgt auch ein gewisses Risiko. Um ein gutes Ergebnis zu erzielen, bedarf es Stimmen auf höchstem Niveau. Damiano Salerno als Rigoletto und Génesis Moreno als Gilda waren dafür verantwortlich und haben das Jubiläum feierlich begangen. Zweifellos überstrahlten sie den Rest des Ensembles, das aber auch nicht schlecht war. Die entscheidenden Momente der Vorstellung entstanden jedoch, als die beiden die Hauptprotagonisten waren. Ihre Duette waren anthologisch. Sie begannen ihr Konzert mit dem gefühlvollen und zarten Figlia! Mio padre! Sie setzten fort mit dem gewaltigen Mio padre!…Tutte la feste al tempio. Sie steigerten die Tragödie mit dem Schlussduett, V’ho ingannato, colpevole fui und Lassú in cielo. Allein diese drei Momente hätten ausgereicht, um ein Publikum zufriedenzustellen, das die Protagonisten stehend verabschiedete, nach dem verzweifelten Seufzer Rigolettos: „La maledizione“. Dies war der Titel, den Giuseppe Verdi wollte. Ein unbedeutendes Detail für ein makelloses und unerbittliches Stück. Strukturell perfekt, was beide Protagonisten zu einer detaillierten, minutiösen und natürlich sehr anspruchsvollen existenziellen Metamorphose zwingt. Sowohl Rigoletto als auch Gilda, der Bucklige und die Tochter, entwickeln sich sowohl stimmlich als auch dramatisch weiter, je nachdem, wie sich die Umstände ergeben und verändern. Salerno und Moreno erfüllten ihre Aufgabe mit Bravour und noch mehr. Génesis Moreno hatte bereits vor zwei Spielzeiten im Teatre Principal nicht wenige ihrer Tugenden gezeigt, als sie Gounods Julia darstellte. Daher konnte ihre Wahl zur Darstellung der Gilda nicht besser sein. Wenn die gesamte Aufführung unvergesslich war, so war eine gewaltige und überwältigende Darbietung von Wärme, Ausdruckskraft, Koloratur, Atem… die meisten wie gebannt zurückließ, mit einem unvergesslichen „Caro nome“. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, zu den Darbietungen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einem gefühlvollen und kraftvollen „Cortigiani, vil razza dannata“, reich an Nuancen und voller Schwierigkeiten, uns keinen der Großen vermissen ließ, die die komplizierteste und komplexeste Figur der Verdi-Produktion interpretiert haben. Hervorzuheben sind die Projektion, die komplizierte Verbindung von Heftigkeit und Subtilität sowie eine makellose Diktion und Vokalisierung. unvergesslich. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, mit den Interventionen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einer emotionalen und kraftvollen

Es gibt Momente in der Oper, die immer und ausnahmslos absolut unvergesslich sind. Das sind jene, bei denen, wenn der Sänger oder die Sängerin gerade die berühmteste Arie der Komposition zu Ende gespielt hat, der Applaus des Publikums einen besonderen, sehr beredten, ja sogar fordernden Ton hat. Und wenn sie fast immer an Intensität verlieren, steigen in diesen Fällen die Dezibel exponentiell an. Der Protagonist schweigt zuerst, respektvoll und dankbar, ohne jede Bewegung, nicht einmal die kleinste, die die Party unterbrechen könnte, die die Zuschauer von dort oben begonnen und den Rest angesteckt haben. Er blickt zum Dirigenten. Dieser wartet aufmerksam darauf, dass der Protagonist zustimmend die Augen schließt und damit bestätigt, was mehr oder weniger jeder bereits klar hatte. Und so beginnt erneut die Apotheose, die Zugabe. Für die Mallorquiner, die wir dort waren, hatte es einen Mehrwert, die erste, die Xabier Anduaga sang, mit Una furtiva lagrima, fand im Teatro Principal de Palma statt. Am Sonntag, bei der dritten Aufführung seines ersten Werther, explodierte das Liceu und machte den Abend unvergesslich, zu jenen, die man nicht vergisst. Xabier Anduaga gab zum ersten Mal bei seinem Debüt als der tragische Charakter schlechthin die berühmte und legendäre Pourquoi me réveiller. Eine Umstand, der den Rest der Vorstellung zu einer reinen Anekdote hätte machen können.

Wir könnten viele Beispiele anführen, die die Richtigkeit des Titels bestätigen, aber schon die letzten drei Opern, die ich in den vergangenen Tagen gesehen habe, beseitigen sofort jeden Zweifel. Die erste war die Götterdämmerung Wagners Oper, in der deutlich wird, dass Brünhilde die tragische und zentrale Protagonistin ist. Und sie ist niemand anderes als Senta, die die Hauptrolle in der Oper spielt. Der Fliegende Holländerwas wir im Haupttheater von Ciudad genießen konntenDie Zum Abschluss der Woche im Gran Teatre del Liceu ist derjenige, der das Banner trägt, auch derjenige, der dem Werk seinen Titel gibt. Die Mona Lisa. Eine Komposition, die einzige bekannte von Amilcare Ponchielli, und dennoch ein unbestrittenes Meisterwerk, das sechs Spitzenstimmen benötigt, um sein volles Potenzial zu entfalten, wie es in der Produktion zwischen dem Liceu und dem Teatro San Carlo in Neapel unter der Regie von Romain Gilbert der Fall war. Basierend auf einem Drama von Victor Hugo, Angelo, Tyrann von Padua, Zu Arrigo Boito, der unter dem Pseudonym Tobia Gorrio die Libretti für Verdis letzte und eine seiner bedeutendsten Opern verfasste, brachte diese nach Venedig. Diesen Aspekt hat Gilbert mit absoluter Werktreue wiedergegeben und lediglich einige wenige persönliche Akzente hinzugefügt. conmedia dell'arte, unter Einbeziehung von Harlekin, Pantalone Und Akelei, neben einigen erzählerischen Freiheiten, wie beispielsweise dem endgültigen Auftreten von Die blinde Frau, von Violeta Urmana, die sich viele ihrer Qualitäten bewahrt hat und vor allem die Fähigkeit besitzt, die wesentlichen Merkmale der Figur präzise darzustellen.

Der fliegende Holländer, von Richard Wagner, im Principal Theater. Unmöglich!, dachten viele von uns. Mein FehlerZweifellos schwierig, aber gute Arbeit und kluge Entscheidungen haben sich durchgesetzt. Das ist kein Spoiler. Es war ein Erfolg mit ausverkauftem Haus, und ohne Irrtum – fehlerfrei – wie der Komponist sagen würde, und wenn er es nicht aussprach, so dachte er es doch sicherlich. Alles funktionierte perfekt. Nichts enttäuschte, und vielleicht war diese bemerkenswerte Ausgewogenheit die beste und wichtigste der vielen Vorzüge der Show. Der Kreis war aus offensichtlichen Gründen kleiner als üblich, aber er war zweifellos perfekt. Eine Tatsache, die bereits in den ersten Absprachen deutlich wurde.Öffnung, Mit dem imposanten Blech, das die stürmische Tragödie ankündigte, hatte das Symphonieorchester der Balearen unter der Leitung von Guillermo Garcia-Calvo, für den Wagner weit weniger Geheimnisse birgt als für die meisten Dirigenten, die Essenz von Bayreuth so vollkommen erfasst und damit die erste Anforderung an die Orchestergröße erfüllt: Der Klang war kraftvoll und raumfüllend, reich an Texturen und makellos klar.

Studium Aureum eröffnet die neue Saison mit einem überarbeiteten und erweiterten Programm. Fast siebzig Mitglieder stehen auf der Bühne, darunter Sänger, Musiker, Solisten und natürlich der Dirigent Carlos Ponseti, der stille Musiker. Das ausgewählte Stück bietet auch einige interessante Elemente, obwohl es als Mozart-Stück normalerweise nicht in den Programmen erscheint. Büßer Davide K 469 Es handelt sich um eine Kantate, die im Auftrag der Tonkünstler-Societät (Musikverein) von Wien, anlässlich der Fastenzeit. Es war das Jahr 1785, ein ziemlich arbeitsreiches Jahr für das Genie, in dem er sechzehn Werke unterschrieb, darunter drei Klavierkonzerte, eine Sonate für Klavier und Violine, ein Quartett für Klavier und Streicher... und wir wissen bereits, dass religiöse Musik nicht zu seinen Vorlieben gehörte. Ein guter Grund, die Kyrie und die Ruhm zu seinem unvollendeten, wer weiß warum, Große Messe in c-Moll KV 427. Vielleicht ist das der Grund für die wenigen Aufführungen. Die goldene Auswahl hat daher, wie so oft, einen Mehrwert geschaffen.

Die listige Guineueta, Von Leoš Janáček könnte man meinen, es sei eine unbedeutende Oper zur Eröffnung einer Saison, nämlich der des Gran Teatre del Liceu. Auf Tschechisch, weniger als zwei Stunden lang und ohne die weniger bekannten Stimmen, die zudem die meisten Titel säumen. Doch wer so dachte, irrt sich gewaltig, und zwar aus mehreren Gründen. Zunächst einmal ist es Leoš Janáčeks Musik, eine Collage aus reizvollen und höchst unterschiedlichen Faktoren und Umständen, die jeden Moment dem Bühnengeschehen vollkommen angemessen erscheinen lassen. Und auch wenn es nichts Neues ist: Unter Josep Pons' Dirigent erstrahlten alle Farben einer Partitur voller tausender Nuancen und Details von komplexer und doch erlesener Einfachheit. Nur eine kleine Szene jedoch, irgendwann im Monolog des Wildhüters, des männlichen Protagonisten, wurde vom Orchester in den Schatten gestellt – jenes Fragment, das der Komponist für den Tag seiner Beerdigung auswählte und das der Bariton Peter Mattei vortrug. Die chromatische Explosion war jedoch ein unerreichbares musikalisches Kaleidoskop, das dieser großartigen kleinen Oper ihren rechtmäßigen Platz einräumte.