Viertes und letztes Konzert des Bellver Festivals mit dem Orquestra Simfònica Illes Balears als Protagonisten der bereits etablierten Veranstaltung. Als Zugabe der Saison, obwohl es ein anderes Publikum ist, diese Umstände, die je nach Ort der Aktivitäten auftreten. Auf jeden Fall sind die vier Konzerte der Formation in der symbolträchtigen Burg bereits Tradition und der Ort füllt sich Tag für Tag. Das letzte war keine Ausnahme und, wenn bisher die Solisten die Protagonisten waren, war für diesen Anlass der britische Dirigent Michael Francis derjenige, der dem Konzert seine persönliche Note verlieh. Britische Note, wie auch das Programm, das aus drei Komponisten derselben Nationalität und fast derselben Generation besteht, wie Edward Elgar, Benjamin Britten und Ralph Vaughan Williams. Die ausgewählten Stücke wurden in chronologischer Reihenfolge aufgeführt, so dass man in kurzer Zeit eine kleine Entwicklung der klassischen Musik im alten Reich nachvollziehen konnte.

Jetzt, da wir den Kurs beendet haben, haben die Lehrer und Familien mehr Zeit für Reflexion. Sie ist notwendig, denn viele von uns Lehrern glauben, dass wir in einer großen Lüge leben. Es scheint, dass die Verwaltung sich entschieden hat, das wahre Niveau der Institute zu verschleiern. Mit der Zeit und mehr durch Unterlassung als durch direkte Handlung wurde ein Maßstab festgelegt, den die Kollegien praktisch einstimmig als "gesenkt" betrachten, was die erworbenen Titel entwerten lässt. Während die Schule Ungleichheiten mildern und Chancen bieten sollte, haben sich die verschiedenen Regierungen dafür entschieden, sie in einen Vorhang zu verwandeln, der die Realität verbirgt. Eine Fiktion, die, besonders an Orten wie Ibiza, das Drama der prekären Arbeitsverhältnisse und eines unmöglichen Wohnungsmarktes verbirgt; ein Kontext wachsenden Individualismus, der Familien in Entwurzelung und Entfremdung von den Dörfern und Vierteln sowie von der eigenen Sprache und Kultur stürzt.

Zweites Konzert in Bellver. Selten. Besonders. Herzlich. Aus verschiedenen Gründen. Das erste finden wir im Solisten, Josep Colom, dem Verantwortlichen für die Interpretation des ".Klavierkonzert Nr. 27 KV 595, von Wolfgang Amadeus Mozart. Ein außergewöhnlicher Musiker in vielerlei Hinsicht, der keine Legende, sondern Musikgeschichte in Großbuchstaben ist. Ein exzellenter und eigenwilliger Pianist, so sehr, dass jede seiner Interpretationen ein eigenes Gütesiegel trägt, ohne das Original zu verraten. Donnerstagabend war da keine Ausnahme, mit einer typischen Kadenz. Unermüdlich. Er würde nie aufhören zu spielen. Aber darüber hinaus war er ein Lehrer, von dem alle Schüler Wunder sprechen, sowohl mit Zuneigung als auch mit Bewunderung. Pablo Mielgo erzählte vom Pult, dass er ihn mit 11 Jahren gespielt hatte und dass es daher eine Ehre sei, ihn begleiten zu können. Seine Interpretation dieses späten Mozart, obwohl er erst 35 Jahre alt war und weniger als ein Jahr zu leben hatte, war sorgfältig, aber als der beste Colom zum Vorschein kam, war es mit dem Zugabe, dem "ersten\]Rondo in D-Dur KV 485, auch von Mozart. Es war, als ob der erste Auftritt eine Vorbereitung gewesen wäre. Sicherlich hätte er das Niveau gesteigert, wenn er weitergespielt hätte. Es ist klar, dass es immer ein Luxus und natürlich ein Vergnügen ist, Josep Colom zu sehen und zu hören.Ein weiterer Grund, der die Adjektive verkündet, findet sich in der Formation. Einige Mitglieder der Symphonika, begleitet von anderen der Kleinen Symphonika, bestehend aus Schülern zwischen 10 und 16 Jahren, denen Mielgo neben dem Preis, der das Teilen der Bühne mit den bereits professionellen Musikern bedeutet, die erste Dosis des Giftes des Applauses verabreichte. Alle zeigten, dass sie aus eigener Leistung dort oben waren, mit einigen Soli, bei denen wir mit geschlossenen Augen nicht hätten erraten können, wer dafür verantwortlich war. Ein Erfolg für Mielgo und ein Ansporn für sie, deren Teilnehmerzahl in der zweiten Hälfte gestiegen war. Eine zweite Hälfte, die mit einer Auswahl von Themen aus La boutique Fantasque, von Ottorino Respighi, einer orchestralen Suite des Balletts, das von Rossinis Musik inspiriert ist, begann. Lustig, fröhlich, ideal. Danach ein Klassiker, Die Moldau. Beschreibend, suggestiv, süß. Alles in Ordnung, sogar das Niveau des Konzerts war etwas überraschend. Um das Fest zu beenden, Rhythmus, Qualität, der Danzón Nr. 2, von Arturo Márquez. Es bedarf keiner Erwähnung, dass das Schloss wieder bis auf den letzten Platz gefüllt war.

Das Tandem Tschaikowski-Dogadin war für die Eröffnung dieser neuen Ausgabe des Bellver Festivals zuständig, als Anhang der Saison des Symphonieorchesters der Balearen, in einem unvergleichlichen Rahmen, der zwar ein Klischee, aber unbestreitbar ist. Pablo Mielgo dirigierte die Aufführung und zeigte erneut eine gute Chemie mit dem jeweiligen Solisten. Sergei Dogadin war bereits zwei Mal zuvor mit denselben Begleitern aufgetreten. In der Saison 23/24 spielte er das "

Vierzig Aufführungen und seit vielen Jahren ausverkauftes Haus sind ein guter Grund zur Freude, und natürlich ist es eine der besten Möglichkeiten, die Saison mit einer Aufführung von Rigoletto abzuschließen und dem Ereignis Gerechtigkeit widerfahren zu lassen. Es birgt auch ein gewisses Risiko. Um ein gutes Ergebnis zu erzielen, bedarf es Stimmen auf höchstem Niveau. Damiano Salerno als Rigoletto und Génesis Moreno als Gilda waren dafür verantwortlich und haben das Jubiläum feierlich begangen. Zweifellos überstrahlten sie den Rest des Ensembles, das aber auch nicht schlecht war. Die entscheidenden Momente der Vorstellung entstanden jedoch, als die beiden die Hauptprotagonisten waren. Ihre Duette waren anthologisch. Sie begannen ihr Konzert mit dem gefühlvollen und zarten Figlia! Mio padre! Sie setzten fort mit dem gewaltigen Mio padre!…Tutte la feste al tempio. Sie steigerten die Tragödie mit dem Schlussduett, V’ho ingannato, colpevole fui und Lassú in cielo. Allein diese drei Momente hätten ausgereicht, um ein Publikum zufriedenzustellen, das die Protagonisten stehend verabschiedete, nach dem verzweifelten Seufzer Rigolettos: „La maledizione“. Dies war der Titel, den Giuseppe Verdi wollte. Ein unbedeutendes Detail für ein makelloses und unerbittliches Stück. Strukturell perfekt, was beide Protagonisten zu einer detaillierten, minutiösen und natürlich sehr anspruchsvollen existenziellen Metamorphose zwingt. Sowohl Rigoletto als auch Gilda, der Bucklige und die Tochter, entwickeln sich sowohl stimmlich als auch dramatisch weiter, je nachdem, wie sich die Umstände ergeben und verändern. Salerno und Moreno erfüllten ihre Aufgabe mit Bravour und noch mehr. Génesis Moreno hatte bereits vor zwei Spielzeiten im Teatre Principal nicht wenige ihrer Tugenden gezeigt, als sie Gounods Julia darstellte. Daher konnte ihre Wahl zur Darstellung der Gilda nicht besser sein. Wenn die gesamte Aufführung unvergesslich war, so war eine gewaltige und überwältigende Darbietung von Wärme, Ausdruckskraft, Koloratur, Atem… die meisten wie gebannt zurückließ, mit einem unvergesslichen „Caro nome“. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, zu den Darbietungen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einem gefühlvollen und kraftvollen „Cortigiani, vil razza dannata“, reich an Nuancen und voller Schwierigkeiten, uns keinen der Großen vermissen ließ, die die komplizierteste und komplexeste Figur der Verdi-Produktion interpretiert haben. Hervorzuheben sind die Projektion, die komplizierte Verbindung von Heftigkeit und Subtilität sowie eine makellose Diktion und Vokalisierung. unvergesslich. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, mit den Interventionen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einer emotionalen und kraftvollen

Die Orbitans setzen ihren alternativen theatralischen Weg fort. Wenn ihre übliche Heimat die Theken vieler Straßencafés in der Stadt waren und sind, erkundeten sie kürzlich ein anderes Territorium für eine andere Art von Dramaturgie und zweifellos für ihr bereits etabliertes Publikum. Der erste Test fand im Zimmer eines Hotels, des Ars Magna, unter dem Titel Píccolo. Ein Erfolg. Deshalb ein zweiter Versuch, am selben Ort und mit nicht wenigen Garantien, der unter dem Titel Estranyes visites von Javier Gato Matesanz geschrieben und inszeniert wurde, mit Mariona Hauf und Joan Manel Vadell in den Hauptrollen.

Los Estunmen kommen in die Teatros del Canal, nachdem sie das Lliure de Barcelona mit allen Segnungen und dem Segen des Liceu und des Real passiert haben, aber mit dem Zögern, als ob ein Produkt dieser Eigenschaften noch nicht genügend Garantien für die Aufführung in den Stammhäusern hätte. Vielleicht sind es nur Vorurteile, was nach dem Anblick einer opernhaften Kreation im großen Haus, in beiden und in vielen anderen, die "deunidó" war, nicht verstanden wird. Es ist klar, dass die Urheber der Schöpfung, Nao Albet und Marcel Borràs, die Rolle - die auch ein Spiel ist, das perfekt zu diesem Baby passt - der Transgression gespielt haben und dies bereits ab dem Titel ankündigen. "Els estunmen" ist nichts anderes als die Aussprache von "stuntmen", den Spezialisten, den Doubles der Protagonisten, denen, die da sind und so tun, als ob sie es wären. Die "cappares", Albet und Borràs, sagen, es sei eine Oper, und wahrscheinlich haben sie Recht und Gründe, sie in dieses Genre einzuordnen, in dem die Zeitgenossenschaft immer fast unüberwindbare Barrieren findet. Die Musik stammt von Fernando Velázquez, der anstatt zu transgressieren eine präzise und passende Allianz nicht weniger operner Epochen schmiedet, obwohl, wenn die Geschichte unter anderem von Helden handelt, wer wäre besser als Wagner als große Inspirationsquelle. Aus diesem und vielen anderen Gründen stehen wir vor einer "guesamcunstverq", wie das Gesamtkunstwerk des Herrn von Bayreuth ausgesprochen wird.

Obwohl Alexandre Ballester bereits vor fünfzehn Jahren von uns gegangen ist, wird er für immer in der Erinnerung derer bleiben, die seine Kunstfertigkeit, seinen Charme und seine Scharfsinnigkeit genossen haben. Dass das Teatre Principal Palma beschließt, es allen zugänglich zu machen, die nicht das Glück hatten, uns zu erleben, ist zweifellos nicht nur ein Erfolg, sondern auch eine wohlverdiente Ehrung. Die Produktion hingegen ist vom Feinsten, mit einer grandiosen Bühnenbildgestaltung, die jedoch durch ihre Mobilität für andere Bühnen der Insel eingeschränkt ist, und einer Luxusbesetzung, angeführt von Miquel Àngel Torrens, zusammen mit Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila und Patxi Arostegui. Das Stück "Un baül groc per a Nofre Taylor", das einst Joan Lluís Bozzo auf die alternativen katalanischen Bühnen brachte, kurz vor der Gründung von Dagoll Dagom, war in der Kiste der vergessenen Stücke verschwunden. Marga López war für diese Wiederentdeckung verantwortlich, für dieses hyperrealistische Porträt der menschlichen Verfassung, denn das ist, und nichts anderes, Ballesters Stück. Die Züge des Reichen und Mächtigen haben sich weder wenig noch gar nicht verändert, denn sie waren schon immer so, seit Anbeginn der Zeit. Dies wäre eine sorgfältige, aber einfache Lesart, denn die Untertanen der Kaiser/Unternehmer spielen ebenfalls immer die gleiche Rolle, die der Unterwerfung. Darüber hinaus könnten wir jedem einzelnen der auftretenden Charaktere Namen und Nachnamen von bekannten Personen geben, so bekannt, dass sie vielleicht unsere eigenen sind. Ballesters Pinsel ließ nie eine Ecke unbemalt.

Das Programmheft von Calidoscopi, der neuesten Kreation von Estudi Zero, besagt, dass „die Charaktere sich durch absurde, gewalttätige oder zutiefst menschliche Situationen bewegen“. Stimmt, aber es wäre noch viel mehr so, wenn die Konjunktion kopulativ und nicht disjunktiv wäre. Wenn die Situationen absurd und gewalttätig sind, ist klar, dass sie unbestreitbar sehr menschlich sind. Die Karikatur entstellt die Realität nicht, sondern akzentuiert sie, so dass dieser kühne, irrationale und skurrile Punkt die metaphorische Darstellung der menschlichen Verfassung wirkungsvoller macht. Dass die Vorstellung aus verschiedenen kleinen Geschichten besteht, verleiht ihr das Siegel von Sans, so dass sie uns auf jene Reise mitnimmt, die in diesem selben Saal Karl Valentin steuerte. Für diesen Anlass sind verschiedene Autoren in der Besetzung von Calidoscopi vertreten – Esteve Soler, Juan Mayorga und Joël Pommerat –, was dazu führt, dass die Art der verschiedenen Sketche die Wärme jedes einzelnen sehr steigert. Es gibt keinen weißen Humor. Alle enthalten eine hohe Dosis Gift, im gleichen Verhältnis wie Ätzendes und Sarkasmus und ohne Angst, rote Linien zu überschreiten.Esteve Soler, Juan Mayorga und Joël Pommerat – was die unterschiedliche Art der verschiedenen Sketche ausmacht, die die Hitze jedes einzelnen ein wenig steigert. Es gibt keinen weißen Humor. Alle enthalten eine hohe Dosis Gift, im gleichen Verhältnis wie Schärfe und Sarkasmus, und scheuen sich nicht, rote Linien zu überschreiten.

Der malerische Kreuzgang von Sant Bonaventura beherbergte die Zeremonie der wirbelnden Derwische, organisiert von der Toni Catany Stiftung, die, wie im Programmheft steht, eine Vorliebe für die Kulturen des Mittelmeers hatte, die sie bereiste und von denen sie künstlerische Zeugnisse in unzähligen Fotoserien hinterließ. Es ist keine Show, es istRobert Graves sagte im Vorwort zu The Sufis von dem Gründungsdenker Idries Shah, dass „Sufismus einen Strom innerer Erleuchtung darstellte, der auf Liebe und Selbsterkenntnis zentriert war, frei von unterdrückenden Dogmen“. All dies wurde in dieser Darstellung der Musik und Tänze der klassischen Mevlevi-Sufi-Tradition deutlich. Der Saal war voll; die Stille absolut, ehrfürchtig. Als ob es sich um einen Gottesdienst mit all seiner mystischen Bedeutung handelte. Die asketischen Bewegungen der Derwische gaben die spirituelle Eigenart der Aufführung vor und zeigten gleichzeitig eine sowohl ästhetische als auch nüchterne und zönobitische Kadenz.Die Musik, gefühlvoll und tiefgründig, mit den traditionellen melodischen Phrasen der Maqamat, die, während die Stimmen die Namen der Propheten rezitierten, der Darbietung die reine und transzendente Legierung zwischen dem einen und dem anderen verliehen. Es war das Gefühl, dass alles viel mehr war, als unsere Sinne auf den ersten Blick erfassen konnten. Es war eine passende und emotionale Hommage, aber auch eine Tür, die sich zu einer anderen Art zu sehen und zu leben öffnete.

Die Herausforderung war sehr riskant. Die liaison zwischen dem Teatre Principal von Inca und dem Kammerorchester von Mallorca trägt immer schmackhaftere Früchte. Davon abgesehen muss dieser jüngste Erfolg gelobt werden, der sicherlich nicht der letzte sein wird, und zwar die vollständige Inszenierung von Nicht unbeteiligt daran ist, sondern ganz im Gegenteil, Bernat Quetglas, der Chefdirigent des Orchesters, des Projekts und der Aufführung. Eine gut gemachte Arbeit, bei der er dem Publikum nicht viele Gelegenheiten gegeben hat, seine Zustimmung mit den üblichen Fächern zu bekunden, so oft es hätte geschehen können. Aber nicht weniger wahr ist, dass er auf diese Weise der Handlung einen grundlegenden Pluspunkt an Kontinuität verliehen hat. Gleichzeitig hat er der Formation eine musikalische Spannung mit optimalen Ergebnissen verliehen, und als große Errungenschaft würde ich das unerlässliche musikalische Gleichgewicht hervorheben, das die Aufführung zu jeder Zeit prägte. Eine maßvolle, abgewogene und gemäßigte Aufführung, bei der es fast unmöglich ist, den einen oder anderen hervorzuheben.

Die Klassiker aufgreifen und von dort aus erzählen, was man erzählen will, war der erzählerische Kniff, mit dem Miquel Mas Fiol diese 'Millennial' Condition-Trilogie inszeniert hat. Der Autor und Regisseur hat sich nicht lumpen lassen. Das erste Opfer war Voltaire; das zweite, Goethe, und das dritte, Victor Hugo. Kandide oder die beste aller Welten, Die Leidendes jungen Werthers und dieses letzte, Die Elenden, waren das MacGuffin für den Autor, um seine Rede zu entfachen, die darauf basiert, Spaß zu haben, ohne jemandem auch nur einen Kopf auf den Schultern zu lassen. Kein einziger Stock aufrecht, ausnahmslos. Der erste, sein eigener, schon bevor die Vorstellung begann, mit zwei der Protagonisten, die Schmähungen gegen den Autor schleuderten. Von Missbraucher bis Ausbeuter… während die Leute den Saal betraten. Dies ist seine Lizenz, die Freikarte, die ihm erlaubt, gnadenlos zu schlagen, nach Belieben, jenseits aller roten Linien.

Neuntes Konzert der Saison des Symphonieorchesters Illes Balears im Auditorium von Ciutat, das mit dem eigenwilligen Konzert für Vögel und Orchester des finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara unter der Leitung eines Dirigenten von enormer Präsenz in jeder Hinsicht, wie dem Norweger Rune Bergmann, begann. Er war zweifellos derjenige, der das Konzert zu einem Spektakel von entsprechenden Dimensionen machte. Kurz nach der ornithologischen Komposition kam der erste Höhepunkt des Programms mit der Pianistin Olga Kern als Hauptdarstellerin, um das Konzert für Klavier und Orchester in a-Moll op. 54 von Robert Schumann zu interpretieren. Sie begann den ersten Satz mit einem sehr soliden, etwas steinigen Stil und einem sehr festen Puls, von dem entschlossenen Eintritt des Klaviers mit einer martialischen und kraftvollen Abfolge absteigender Akkorde bis hin zur polyedrischen Kadenz des Finales, von wo aus die Koloratur der Komposition mit ebenso viel Präzision wie Eleganz gesteigert wurde. Ihre Interpretation steigerte sich in Niveau und Zartheit, wie zum Beispiel im Andantino grazioso, einem unterhaltsamen Dialog zwischen Orchester und Klavier, der sich nach und nach in einen zarten und subtilen Monolog des Soloinstruments verwandelte. Kern machte ihre Meisterschaft und ihre Fähigkeit, all diese Reihe von Variationen und Stilen anzudeuten, die Schumann in die Partitur einarbeitete, auf eine für seine Zeit sehr neuartige Weise deutlich. Die Solistin nahm mit neuem Schwung den energischen Ton des Anfangs wieder auf, in einem stürmischen dritten Satz, als sie plötzlich einen köstlichen neuen Dialog, diesmal mit der Oboe, etablierte, wie eine Ankündigung der außergewöhnlichen finalen Coda, die nur als außergewöhnlich bezeichnet werden kann und die Protagonistin dazu brachte, den enthusiastischen Applaus des Publikums entgegenzunehmen. Wie es sein musste und wie alle erwarteten, gab es eine Zugabe, zuerst ein Prélude von Claude Debussy, das nie enttäuscht oder gleichgültig lässt. Makellos. Und auf die Bitte in Form einer Ovation folgte eine weitere kleine Perle von Nikolai Myaskovsky, eine Klavierbearbeitung von Joseph Horovitz.

Neuntes Konzert der Saison des Orquestra Simfònica Illes Balears im Auditorium de Ciutat, das mit dem eigenartigen , des finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara, unter der Leitung eines Dirigenten mit enormer Präsenz in jeder Hinsicht, des Norwegers Rune Bergmann, begann. Er war es zweifellos, der das Konzert zu einem Spektakel von seinen Dimensionen entsprechenden Ausmaßen machte. Direkt nach der ornithologischen Komposition kam der erste Höhepunkt des Programms mit der Pianistin Olga Kern als Hauptdarstellerin, um das Konzert für Klavier und Orchester in a-Moll op. 54 von Robert Schumann zu interpretieren. Er begann den ersten Satz mit einem sehr soliden, etwas felsigen Stil und einem sehr festen Puls, vom entschlossenen Eintritt des Klaviers mit einer martialischen und kraftvollen Abfolge absteigender Akkorde bis hin zur polyedrischen Kadenz des Finales, von wo aus er die Koloratur der Komposition mit ebenso viel Präzision wie Eleganz steigerte. Seine Interpretation steigerte sich in Niveau und Zartheit, wie zum Beispiel beim Andantino grazioso, einem unterhaltsamen Dialog zwischen Orchester und Klavier, der sich nach und nach in einen zärtlichen und subtilen Monolog des Soloinstruments verwandelte. Kern zeigte ihre Meisterschaft und ihre Fähigkeit, all diese Variationen und Stile, die Schumann seinerzeit auf neuartige Weise in die Partitur integriert hatte, anzudeuten. Die Solistin nahm wieder den energischen Ton des Anfangs auf, in einem stürmischen dritten Satz, als sie plötzlich einen köstlichen neuen Dialog, diesmal mit der Oboe, etablierte, als Ankündigung der außergewöhnlichen Schluss-Coda, die nur als außergewöhnlich bezeichnet werden kann und der Protagonistin die begeisterten Ovationen des Publikums einbrachte. Wie es sein musste und wie alle erwarteten, gab es eine Zugabe, zuerst ein Prélude von Claude Debussy, das nie enttäuscht oder gleichgültig lässt. Makellos. Und angesichts der Bitte in Form einer Ovation, ein weiteres kleines Juwel von Nikolai Myaskowski, eine Klavierbearbeitung von Joseph Horovitz.

Angetrieben von Celestí Alomar, dem Tourismusminister des ersten Fortschrittspakts (1999-2003), wurde am 10. April 2001, vor fünfundzwanzig Jahren, eine Steuer auf touristische Aufenthalte, die sofort als „Ökosteuer“ bekannt wurde, genehmigt. Sie erhob ungefähr einen Euro pro Nacht für den Aufenthalt von Touristen. Mit den Einnahmen sollten einige negative Externalitäten des Massentourismus auf den Balearen korrigiert werden. Sie trat aufgrund einer Klage der Regierung von Aznar beim Verfassungsgericht erst im Mai 2002 in Kraft. Als die Volkspartei die folgenden Wahlen im Jahr 2003 gewann, schaffte sie die Steuer ab, da sie diese als Bremse für die touristische Wettbewerbsfähigkeit ansah. Derjenige, der die Abschaffung der Steuer verteidigte, sagte, sie könne weder als ökologisch noch als umweltfreundlich bezeichnet werden und sei nicht einmal eine Steuer, und argumentierte: „Sie war nichts weiter als ein Symbol einer Politik negativer Botschaften gegenüber dem, was Tourismus ausmachte“. Und er brachte die Anwendung der Ökosteuer mit dem Rückgang der Touristenzahlen und den Problemen des Hotelgewerbes in Verbindung. Die Regierung von Jaume Matas wollte sie durch sogenannte grüne Karten oder „nachhaltige“ Stiftungen ersetzen, die nur spärliche Einnahmen erzielten.

Die Frage des Titels ist unbeantwortbar, aber der Biograf von Verdi, Julian Budden, urteilte, dass gerade im Requiem die größte Konzentration seines Genies zum Ausdruck kam. Unter den vielen Totenmessen, die das Universum der Musik bevölkern, ist es nicht allzu schwer, mit vielen Anhaltspunkten zu der Annahme zu gelangen, dass diese hier die komplexeste, monumentalste und anthologischste von allen ist. Es war kein Genre, das Giuseppe Verdi besonders gepflegt hätte. Es war seine Beteiligung mit einem Libera me Domine, das er zusammen mit zwölf anderen Komponisten Gioachino Rossini, dem Schwan von Pesaro, widmete. Ein Stück, das nicht einmal uraufgeführt wurde, als seine erste Aufführung geplant war, die Erinnerung an das erste Todesjahr dessen, dem es gewidmet war. Verdi rettete es, als er beschloss, seines Alessandro Manzoni zu widmen. So begann die Geschichte dieses kolossalen musikalischen Wolkenkratzers, den wir als sechstes Konzert der Saison des Symphonieorchesters der Balearen, zusammen mit dem Chor der UIB, unter der Leitung von Núria Cunillera, Mira Alkhovix, Sopran; Sílvia Tro Santafé, Mezzosopran; Antoni Lliteres, Tenor und Simón Orfila, Bass, genießen konnten. Pablo Mielgo leitete die Veranstaltung.

Ein Konzert für alle, die eine Leidenschaft für Musik hegen. Vielleicht lag es daran, und auch daran, dass viele Kinder und Studenten des Konservatoriums anwesend waren, dass im Auditorium am Passeig Marítim eine wunderbare Atmosphäre herrschte. Das Programm war fesselnd, von Anfang bis Ende. Es begann mit dem/der/demEröffnung Nr. 3, von Leonora, das Beethoven als zu wichtig und imposant erachtete, als dass es als Beginn einer Oper – der einzigen, die er komponierte – an Bedeutung verlieren sollte. FidelioDas besagte Stück sollte zunächst erwähnt werden. Und so erklang, imposant und mit passender Melodie, der Prolog zum siebten Konzert der Saison des Illes Balears Symphony Orchestra unter der Leitung von Pablo Mielgo. Eine majestätische Darbietung, würde ich sogar sagen, mit einer besonderen Ausstrahlung des Dirigenten und der sechzig Musiker, die ihn an diesem ganz besonderen Abend begleiteten, als sie eine so präzise musikalische Zusammenfassung dessen interpretierten, was die einzige Opernkomposition des Genies aus Bonn bleiben sollte. Es war deutlich spürbar, dass der Wunsch bestand, dem Publikum etwas mehr Freude zu bereiten als sonst, und das machten sie von den ersten Takten an deutlich.

Rückkehr zum Gran Teatre del Liceu Manon Lescaut, von Puccini, und zwar mit einem wahrhaft unschlagbaren Hauptdarsteller: dem großartigen Asmik Grigorian, dessen Inszenierung von Àlex Ollé geleitet und von Josep Pons dirigiert wird. Dies ist die zweite musikalische Bearbeitung von Antoine François Prévosts Roman, der ursprünglich den Titel trug Die Geschichte des Chevalier des Grieux und Manon Lescaut, Der Maestro aus Lucca feierte seinen ersten großen öffentlichen Erfolg. Ein Erfolg, von dem die Ricordi-Leitung, abgesehen von seinem Chef und dem Chef selbst, nicht gänzlich überzeugt war, da es sich um dieselbe Geschichte handelte, die Jules Massenet zehn Jahre zuvor mit großem Erfolg inszeniert hatte. Obwohl es immer noch diejenigen gibt, die sagen, dass Manon Es gibt nur einen, und sie meinen nicht den, über den wir sprechen; dieser hier hat sich zweifellos bereits seinen Platz unter denen verdient, die nicht aus den großen Rennserien herausgenommen wurden. Manon Der Grigorianische Gesang ist ein zusätzlicher Gewinn, sowohl in dramatischer Hinsicht, was in diesem Fall unerlässlich ist, als auch in gesanglicher Hinsicht, mit einer exzellenten, makellosen Darbietung.

Ibiza verfügt über zwei kommerzielle Kinos: das familiengeführte Kino Regio in San Antonio de Portmany und das sogenannte „Multicines“ in Vila, das zu Aficine gehört, dem größten und praktisch einzigen Kinobetreiber der Balearen. Die Auslastung ist bescheiden, was dem seit Jahren in Spanien zu beobachtenden Rückgang der Leinwände und Sitzplatzkapazitäten entspricht. Beide Unternehmen kämpfen gegen die aktuelle Mittelmäßigkeit Hollywoods und den Druck von Streaming-Plattformen wie Netflix an. Betrachtet man hingegen die Filmfestivals, könnte man meinen, die Ibizaner seien wahre Cineasten: Ibizacinefest, Ibiza Halloween Festival, Festival Dolor de Cabeza (Kopfschmerzfestival), Muestra de cortos de las fiestas de San Bartolomé (Kurzfilmfestival des San Bartolomé Festivals)... ganz zu schweigen von Festivals, die ihren Ursprung außerhalb der Insel haben, wie beispielsweise MECAL Air Ib MECAL. Inmitten dieser cineastischen Begeisterung gibt es mindestens zwei Initiativen, die sich in der Vielzahl der spanischen Festivals – das Kulturministerium zählt sage und schreibe 500 – eine Nische erobern wollen. Es handelt sich um das Ibizacinefest und Ibicine. Die zehnte Ausgabe des Ibizacinefest fand gerade statt, die Abschlussveranstaltungen liefen am Sonntag, dem 1. März. Das Festival wird vom katalanischen Filmemacher Xavi Herrero geleitet, der seit 2014 auf Ibiza lebt. Die neunte Ausgabe von Ibicine wurde am 16. Februar in Madrid präsentiert und läuft derzeit ebenfalls. Das Programm erstreckt sich über mehrere Monate und gipfelt im April. Die Leitung hat der Produzent Helher Escribano, der 1986 auf Ibiza geboren wurde. Beide Festivals entstanden fast zeitgleich und tragen leicht zu verwechselnde Namen mit dem Präfix „ibi“, das auf Ibiza so häufig für Initiativen, Produkte und Unternehmen aller Art verwendet wird. Ich bin mir nicht sicher, ob die breite Öffentlichkeit die beiden Festivals auseinanderhalten kann. Sie teilen sich auch die Sponsoren: die Verwaltungen von Ibiza und einiger Balearen. Schließlich wird der gleiche Kuchen verteilt. Sie konkurrieren um Namen und Ressourcen, weniger um das Publikum: Das Ibizacinefest legt einen klaren Fokus auf Autorenfilme, während das Ibicine Festival mit einem roten Teppich lockt und versucht, jedes Jahr einen national bekannten Prominenten zur Abschlussgala zu gewinnen. Bei der Ausgabe 2025 waren unter anderem Carlos Bardem, Macarena Gómez und Kira Miró dabei.

Es gibt zwei Dinge, die ewig währen: Rom und die Bushaltestelle auf Ibiza. Der Bau einer Bushaltestelle in Dalt Vila wurde 2004 beschlossen, der Grundstein 2008 gelegt, die Arbeiten 2012 aufgrund archäologischer Funde unterbrochen – wie? In Dalt Vila? Unglaublich! – Das Projekt wurde überarbeitet und 2019 wieder aufgenommen, und schließlich – 22 Jahre und 47 Millionen Euro später – wird die Haltestelle am Montag, dem 23. Februar 2026, eröffnet.