Das Teatre Principal de Palma hat am Donnerstag die Saison 2026/2027 vorgestellt, ein Vorschlag, der von kritischem Geist, sozialem Engagement und der Präsenz von Schöpfern und Interpreten auf höchstem Niveau geprägt ist. Das Kuratorium der Fundació Teatre Principal de Palma hat einstimmig das neue Programm von September 2026 bis Januar 2027 genehmigt, das Theater, Musik, Tanz, Familienveranstaltungen und die 41. Opernsaison umfasst.

Festende, großes Fest, mit einem Falstaff von echtem Luxus, den wir zudem sicher nie vergessen werden, denn es ist die letzte Oper, die Josep Pons als künstlerischer Leiter des Gran Teatre del Liceu inszeniert. Daher ein herzlicher Abschied für denjenigen, der uns 14 Spielzeiten lang viele unvergessliche Abende geschenkt hat. Einer davon zweifellos diese dritte Vorstellung, die zweite der ersten Besetzung der letzten Oper von Giuseppe Verdi. Er sagte, er schreibe sie nur zum Spaß. Sein Librettist, der unverzichtbare Arrigo Boito, sagte, er wolle „die Shakespeare-Orange eintunken, ohne dass die nutzlosen Kerne in den Becher fallen… Das ist sehr schwer, muss aber leicht erscheinen“. Kenner sagen, es sei seine beste Schöpfung, zusammen mit dem Requiem und der vorherigen Oper, Othello. Nun werden wir uns nicht in die Debatte über Ranglisten einlassen, die gegen das Wesen der Kunst verstoßen, aber es ist nicht weniger wahr, dass sie nicht die Anziehungskraft vieler anderer Werke des Meisters von Busseto in aller Munde hat. Auf jeden Fall, ob mehr oder weniger kommerziell, steht außer Zweifel, dass es sich um ein unbestrittenes Meisterwerk handelt. Ein guter Beweis dafür ist die Produktion des Teatro Real, der Monnaie de Brüssel, der Opéra National de Bordeaux und der Tokyo Nikkita Opera Foundation, inszeniert von Laurent Pelly, die wir vor sechs Spielzeiten in Madrid sehen konnten.Es ist zweifellos ein Privileg, sie mit dem bestmöglichen Falstaff genießen zu können, Luca Salsi, und nicht zu vergessen, dass Ambroggio Maestri der andere ist, der beauftragt ist, die berühmte Figur zu interpretieren, so berühmt, dass sie in drei Stücken von Shakespeare vorkommt, in den beiden von Heinrich IV und Die fröhlichen Weiber von Windsor, von Orson Welles im Kino verewigt. Obwohl es sich um eine ebenso komische wie erbärmliche Figur handelt, wäre es am einfachsten, sie zu einer Karikatur zu machen, aber Pelly trifft den richtigen Ton und seine Eigenschaften werden zu einem sehr genauen Porträt mit viel mehr Tiefe und Substanz, als man bei einer ersten Annäherung erkennen könnte. Salsi, unermesslich, von Anfang bis Ende, von Kopf bis Fuß, glänzend mit der Grundsatzerklärung des Prahler, Die Ehre! Diebe!, eine Explosion von Kontrasten, mit der die Vorstellung eröffnet wird. Die Messlatte liegt sehr hoch. Die anderen ließen das Niveau nicht sinken, wie zum Beispiel der Fenton von Lucas Maechem, mit der gleichen Dosis Bühnenpräsenz wie sein „Rivale“. Die Nannetta von Serena Sáenz und die Alice von Carolina López Moreno, tadellos und mit der Anmut, die beide Charaktere benötigen. Alles perfekt ausbalanciert, alle werden zum perfekten Komplement füreinander, aber man muss sagen, dass die Quickly von Daniela Barcelona einen Mehrwert hatte. Mit jeder Intervention wurde sie komischer als die vorherige. Ein Chorensemble mit einer nahezu perfekten Verteilung der Protagonisten und einer Produktion, bei der alles stimmte. Wie zu erwarten, hatte Josep Pons bereits mögliche kleine Ungleichgewichte vom Premierenabend behoben und bot eine tadellose Interpretation einer Partitur mit großer harmonischer Vielfalt, die mit der Anwesenheit des Chores endet, so minimal wie effektiv.

Vierzig Aufführungen und seit vielen Jahren ausverkauftes Haus sind ein guter Grund zur Freude, und natürlich ist es eine der besten Möglichkeiten, die Saison mit einer Aufführung von Rigoletto abzuschließen und dem Ereignis Gerechtigkeit widerfahren zu lassen. Es birgt auch ein gewisses Risiko. Um ein gutes Ergebnis zu erzielen, bedarf es Stimmen auf höchstem Niveau. Damiano Salerno als Rigoletto und Génesis Moreno als Gilda waren dafür verantwortlich und haben das Jubiläum feierlich begangen. Zweifellos überstrahlten sie den Rest des Ensembles, das aber auch nicht schlecht war. Die entscheidenden Momente der Vorstellung entstanden jedoch, als die beiden die Hauptprotagonisten waren. Ihre Duette waren anthologisch. Sie begannen ihr Konzert mit dem gefühlvollen und zarten Figlia! Mio padre! Sie setzten fort mit dem gewaltigen Mio padre!…Tutte la feste al tempio. Sie steigerten die Tragödie mit dem Schlussduett, V’ho ingannato, colpevole fui und Lassú in cielo. Allein diese drei Momente hätten ausgereicht, um ein Publikum zufriedenzustellen, das die Protagonisten stehend verabschiedete, nach dem verzweifelten Seufzer Rigolettos: „La maledizione“. Dies war der Titel, den Giuseppe Verdi wollte. Ein unbedeutendes Detail für ein makelloses und unerbittliches Stück. Strukturell perfekt, was beide Protagonisten zu einer detaillierten, minutiösen und natürlich sehr anspruchsvollen existenziellen Metamorphose zwingt. Sowohl Rigoletto als auch Gilda, der Bucklige und die Tochter, entwickeln sich sowohl stimmlich als auch dramatisch weiter, je nachdem, wie sich die Umstände ergeben und verändern. Salerno und Moreno erfüllten ihre Aufgabe mit Bravour und noch mehr. Génesis Moreno hatte bereits vor zwei Spielzeiten im Teatre Principal nicht wenige ihrer Tugenden gezeigt, als sie Gounods Julia darstellte. Daher konnte ihre Wahl zur Darstellung der Gilda nicht besser sein. Wenn die gesamte Aufführung unvergesslich war, so war eine gewaltige und überwältigende Darbietung von Wärme, Ausdruckskraft, Koloratur, Atem… die meisten wie gebannt zurückließ, mit einem unvergesslichen „Caro nome“. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, zu den Darbietungen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einem gefühlvollen und kraftvollen „Cortigiani, vil razza dannata“, reich an Nuancen und voller Schwierigkeiten, uns keinen der Großen vermissen ließ, die die komplizierteste und komplexeste Figur der Verdi-Produktion interpretiert haben. Hervorzuheben sind die Projektion, die komplizierte Verbindung von Heftigkeit und Subtilität sowie eine makellose Diktion und Vokalisierung. unvergesslich. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, mit den Interventionen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einer emotionalen und kraftvollen

Die Orbitans setzen ihren alternativen theatralischen Weg fort. Wenn ihre übliche Heimat die Theken vieler Straßencafés in der Stadt waren und sind, erkundeten sie kürzlich ein anderes Territorium für eine andere Art von Dramaturgie und zweifellos für ihr bereits etabliertes Publikum. Der erste Test fand im Zimmer eines Hotels, des Ars Magna, unter dem Titel Píccolo. Ein Erfolg. Deshalb ein zweiter Versuch, am selben Ort und mit nicht wenigen Garantien, der unter dem Titel Estranyes visites von Javier Gato Matesanz geschrieben und inszeniert wurde, mit Mariona Hauf und Joan Manel Vadell in den Hauptrollen.

Obwohl Alexandre Ballester bereits vor fünfzehn Jahren von uns gegangen ist, wird er für immer in der Erinnerung derer bleiben, die seine Kunstfertigkeit, seinen Charme und seine Scharfsinnigkeit genossen haben. Dass das Teatre Principal Palma beschließt, es allen zugänglich zu machen, die nicht das Glück hatten, uns zu erleben, ist zweifellos nicht nur ein Erfolg, sondern auch eine wohlverdiente Ehrung. Die Produktion hingegen ist vom Feinsten, mit einer grandiosen Bühnenbildgestaltung, die jedoch durch ihre Mobilität für andere Bühnen der Insel eingeschränkt ist, und einer Luxusbesetzung, angeführt von Miquel Àngel Torrens, zusammen mit Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila und Patxi Arostegui. Das Stück "Un baül groc per a Nofre Taylor", das einst Joan Lluís Bozzo auf die alternativen katalanischen Bühnen brachte, kurz vor der Gründung von Dagoll Dagom, war in der Kiste der vergessenen Stücke verschwunden. Marga López war für diese Wiederentdeckung verantwortlich, für dieses hyperrealistische Porträt der menschlichen Verfassung, denn das ist, und nichts anderes, Ballesters Stück. Die Züge des Reichen und Mächtigen haben sich weder wenig noch gar nicht verändert, denn sie waren schon immer so, seit Anbeginn der Zeit. Dies wäre eine sorgfältige, aber einfache Lesart, denn die Untertanen der Kaiser/Unternehmer spielen ebenfalls immer die gleiche Rolle, die der Unterwerfung. Darüber hinaus könnten wir jedem einzelnen der auftretenden Charaktere Namen und Nachnamen von bekannten Personen geben, so bekannt, dass sie vielleicht unsere eigenen sind. Ballesters Pinsel ließ nie eine Ecke unbemalt.

Während das Theater und das Auditorium von Manacor mit dem Intendantenwechsel vor einem wichtigen Etappenwechsel stehen, nach fast 40 Jahren unter der Leitung von Tomeu Amengual, festigt das Teatre Principal von Inca ein Publikum, das seit seiner Eröffnung im Jahr 2021 stetig zunimmt. Wenn die Saison 2022-2023 mit 28.000 Besuchern abgeschlossen wurde, endete die Saison 2024-2025 mit mehr als 34.000. Viele von ihnen zudem aus Inca. „Immer mehr Leute aus Inca kommen ins Theater, vertrauen unseren Vorschlägen, aber da auch das Publikum aus dem Rest der Insel wächst, lassen die Prozentsätze den Anstieg des lokalen Publikums, der eines der Hauptziele war, verblassen“, erklärt Miquel Àngel Raió, der Direktor des Zentrums seit September 2022. „Natürlich würden wir uns ein Modell wie das von Manacor wünschen, mit mehr als 50 % lokalem Publikum, aber jetzt bewegen wir uns in anderen Prozentsätzen. Wir haben 30 % Leute aus Inca und 70 % Leute aus dem Rest von Mallorca“, präzisiert er.

Auch heute noch heißt das Festival, das Alexandre Ballester in sa Pobla ehrt und dessen sechste Ausgabe gerade erst stattgefunden hat, Albopàs, der Name der Stadt rückwärts: ein Begriff, den er prägte, als eine Art magische Neuerfindung von sa Pobla, und ein Land, in dem er einen Großteil seiner Werke ansiedelte. Wir erinnern uns an diesen Bühnenkünstler gerade jetzt, wo das Teatre Principal in Palma kurz vor der Premiere einer neuen Version von Un baül groc per a Nofre Taylor steht, einem seiner herausragendsten Werke.

Die Schauspielerin Laura Pons aus Menorca wurde mit dem ATAPIB-Preis 2025 als beste Darstellerin für ihre Rolle im Stück Laura ausgezeichnet, bei der zwanzigsten Ausgabe der Preisverleihung der Vereinigung der öffentlichen Theater und Auditorien der Balearen (ATAPIB), die im Teatre Principal in Inca stattfand.

Die Klassiker aufgreifen und von dort aus erzählen, was man erzählen will, war der erzählerische Kniff, mit dem Miquel Mas Fiol diese 'Millennial' Condition-Trilogie inszeniert hat. Der Autor und Regisseur hat sich nicht lumpen lassen. Das erste Opfer war Voltaire; das zweite, Goethe, und das dritte, Victor Hugo. Kandide oder die beste aller Welten, Die Leidendes jungen Werthers und dieses letzte, Die Elenden, waren das MacGuffin für den Autor, um seine Rede zu entfachen, die darauf basiert, Spaß zu haben, ohne jemandem auch nur einen Kopf auf den Schultern zu lassen. Kein einziger Stock aufrecht, ausnahmslos. Der erste, sein eigener, schon bevor die Vorstellung begann, mit zwei der Protagonisten, die Schmähungen gegen den Autor schleuderten. Von Missbraucher bis Ausbeuter… während die Leute den Saal betraten. Dies ist seine Lizenz, die Freikarte, die ihm erlaubt, gnadenlos zu schlagen, nach Belieben, jenseits aller roten Linien.

Dass die Plenarsitzungen des Stadtrats von Manacor etwas anderes sind, ist eine Tatsache, die durch die Videos belegt werden kann, die der Rat jeden Monat auf seinen Youtube-Kanal hochlädt. Es ist klar, dass das Plenum wie jede gute ‘Show’ politisch langweilige und administrative Momente hat; aber es hat auch andere, besonders wenn der Zeitpunkt für Anfragen und Fragen kommt, in denen die Emotionen hochkochen (und oft verrückt werden).

Das Sommerfestival La Lluna en Vers kehrt 2026 nach Mallorca zurück mit einem Programm von 14 Nächten Kultur unter freiem Himmel, verteilt auf verschiedene Orte der Insel und einem Bild, das vom Eclipse am 12. August geprägt ist, der in diesem Jahr die visuelle und symbolische Erzählung des Projekts inspiriert.

Es muss nicht einfach gewesen sein, ein paar Stücke auszuwählen, mit denen der vierzigste Jahrestag einer so bedeutenden Theaterkompanie wie Iguana Teatre gefeiert werden kann. Eine Gruppe, die keine Geschichte ist, sondern „die Geschichte“ des zeitgenössischen Theaters der Balearen, aus dem einfachen Grund, dass sie diejenigen waren, die den Weg ebneten, auf dem viele andere ihre Reise begonnen haben. Sie haben Sa varietat de sa locura ausgewählt, um dieses Ereignis gemeinsam mit dem Teatre Principal zu begehen. Ein Stück, das vielleicht nicht das repräsentativste für ihren Charakter ist, es hätten viele andere aus den über fünfzig sein können, die sie auf die Bühne gebracht haben, aber andererseits ist es der Beweis für ihre Vielseitigkeit, für diese Gewohnheit, auf allen Ebenen des Theaters zu wandeln, von den Klassikern bis zu den Avantgardisten, aus einer erforschenden Perspektive, mit ihrem stets suchenden und respektvoll brechenden Siegel, das sie zu dieser Reihe von Interludes führte, die ein so eigenartiges Spektakel bilden.

Früher hieß es Komödienhaus, und das heutige Gebäude stammt aus dem 19. Jahrhundert. Doch Palmas Haupttheater steht an demselben Ort, an dem bereits im 17. Jahrhundert Aufführungen stattfanden. Seit 359 Jahren werden hier, neben dem ehemaligen Bach, der der Straße ihren Namen gibt, Komödien aufgeführt. Anlässlich des Welttheatertags, der jedes Jahr am 27. März begangen wird, beleuchten wir die Geschichte dieser Bühne.

Rückkehr zum Gran Teatre del Liceu Manon Lescaut, von Puccini, und zwar mit einem wahrhaft unschlagbaren Hauptdarsteller: dem großartigen Asmik Grigorian, dessen Inszenierung von Àlex Ollé geleitet und von Josep Pons dirigiert wird. Dies ist die zweite musikalische Bearbeitung von Antoine François Prévosts Roman, der ursprünglich den Titel trug Die Geschichte des Chevalier des Grieux und Manon Lescaut, Der Maestro aus Lucca feierte seinen ersten großen öffentlichen Erfolg. Ein Erfolg, von dem die Ricordi-Leitung, abgesehen von seinem Chef und dem Chef selbst, nicht gänzlich überzeugt war, da es sich um dieselbe Geschichte handelte, die Jules Massenet zehn Jahre zuvor mit großem Erfolg inszeniert hatte. Obwohl es immer noch diejenigen gibt, die sagen, dass Manon Es gibt nur einen, und sie meinen nicht den, über den wir sprechen; dieser hier hat sich zweifellos bereits seinen Platz unter denen verdient, die nicht aus den großen Rennserien herausgenommen wurden. Manon Der Grigorianische Gesang ist ein zusätzlicher Gewinn, sowohl in dramatischer Hinsicht, was in diesem Fall unerlässlich ist, als auch in gesanglicher Hinsicht, mit einer exzellenten, makellosen Darbietung.

Wir könnten viele Beispiele anführen, die die Richtigkeit des Titels bestätigen, aber schon die letzten drei Opern, die ich in den vergangenen Tagen gesehen habe, beseitigen sofort jeden Zweifel. Die erste war die Götterdämmerung Wagners Oper, in der deutlich wird, dass Brünhilde die tragische und zentrale Protagonistin ist. Und sie ist niemand anderes als Senta, die die Hauptrolle in der Oper spielt. Der Fliegende Holländerwas wir im Haupttheater von Ciudad genießen konntenDie Zum Abschluss der Woche im Gran Teatre del Liceu ist derjenige, der das Banner trägt, auch derjenige, der dem Werk seinen Titel gibt. Die Mona Lisa. Eine Komposition, die einzige bekannte von Amilcare Ponchielli, und dennoch ein unbestrittenes Meisterwerk, das sechs Spitzenstimmen benötigt, um sein volles Potenzial zu entfalten, wie es in der Produktion zwischen dem Liceu und dem Teatro San Carlo in Neapel unter der Regie von Romain Gilbert der Fall war. Basierend auf einem Drama von Victor Hugo, Angelo, Tyrann von Padua, Zu Arrigo Boito, der unter dem Pseudonym Tobia Gorrio die Libretti für Verdis letzte und eine seiner bedeutendsten Opern verfasste, brachte diese nach Venedig. Diesen Aspekt hat Gilbert mit absoluter Werktreue wiedergegeben und lediglich einige wenige persönliche Akzente hinzugefügt. conmedia dell'arte, unter Einbeziehung von Harlekin, Pantalone Und Akelei, neben einigen erzählerischen Freiheiten, wie beispielsweise dem endgültigen Auftreten von Die blinde Frau, von Violeta Urmana, die sich viele ihrer Qualitäten bewahrt hat und vor allem die Fähigkeit besitzt, die wesentlichen Merkmale der Figur präzise darzustellen.

Achtundzwanzig Aufführungen fanden bereits in den Bars verschiedener Lokale in Ciutat statt, die sich im Laufe der Jahre zu wahren Theaterzentren entwickelt haben. Jeden Donnerstag strömen die Gäste hierher, um bei einem Bier und einer Tapa die wunderbaren kleinen Geschichten zu genießen. Das diesjährige Thema bietet reichlich Stoff: Tourismus, den keiner der Autoren verherrlicht oder auch nur angedeutet hat. Andererseits ist es schwieriger denn je, eine Aufführung der anderen vorzuziehen.

Animula, Vagula, Blandula/ Hospes Comesque Corporeal/ Quae nunc abibis in loca/ Blass, starr, Knötchen, Neco, ut solas, dabis yocos… So beginnt das von Kaiser Hadrian verfasste Trauergedicht, das Marguerite Yourcenar zu ihrem Werk inspirierte. Erinnerungen, Als hypothetischer Abschiedsbrief an seinen jungen Nachfolger Marc Aureli verfasste er ein Stück, das damals als unverzichtbare und zugleich entzückende Lektüre galt. Jahre später brachte kein Geringerer als Maurizio Scaparro es in einer Bearbeitung von Jean Launay mit Giorgio Albertazzi in der Hauptrolle auf die Bühne, die wir im Teatro Albéniz in Madrid sahen. Der Regisseur selbst inszenierte es später erneut in spanischer Sprache mit José Sancho in der Hauptrolle und tourte mit ihm durch weite Teile der Iberischen Halbinsel.

Mieter Es ist die neueste Theaterfarce der Kalorien Julia Truyol. Sie trifft stets eine gute Wahl, und zwar aus dem Umfeld, mit dem sie für viele andere zum Maßstab geworden ist. Ihre Ansprüche sind sehr hoch, und auch diesmal hat sie sie mit ihrem natürlichen Interpretationsvermögen, das ihr Markenzeichen ist, übertroffen. Mieter Es ist eine Herausforderung mit einigen unerwarteten Wendungen, die viele Elemente rund um die Geschichte erfordert, damit das Projekt gelingt. Zunächst ein gutes Drehbuch, das von einer sehr alltäglichen Situation ausgeht: Ein Mieter kündigt einer Mitbewohnerin wegen der – gelinde gesagt – ausschweifenden Zustände, an die wir uns gewöhnt haben und die wir mit einem Achselzucken und dem Gedanken „Was soll man machen?“ hinnehmen. Würde man diese alltägliche Begebenheit auf die Bühne bringen, bestünde die Gefahr, sie zu einer bloßen Alltagsbetrachtung werden zu lassen. Das ist hier nicht der Fall. Darüber hinaus braucht ein Monolog viele Anreize, um das Publikum zu fesseln. Die Protagonistin muss eine Reihe von Wandlungen durchmachen, die nur mit einem breiten Spektrum an Ausdrucksmöglichkeiten und einem Tempo gemeistert werden können, das zwar nicht frenetisch, aber sicherlich energiegeladen ist. Ständig wechselt sie ihren Tonfall, von Verzweiflung zu Resignation, und spiegelt so ihr Temperament wider.

Das Teatre del Mar präsentiert sein Winterprogramm 2026, das sein einzigartiges Kulturmodell – basierend auf der Kombination aus zeitgenössischer Produktion, gesellschaftlichem Theater, Bildungsangeboten und Künstlerresidenzen – weiter festigt. Das Programm fördert die Bühne als Raum für kritisches Denken, gesellschaftlichen Zusammenhalt und künstlerisches Wagnis, mit einem Fokus auf die lokale Gemeinschaft und offen für gesellschaftlichen Wandel. Die Saison wird am 17. Januar mit einem Konzert eröffnet, das den Ton für den Zyklus vorgibt: „Jazz Flamenco“ mit Toni Cuenca und Benji Habichuela. Die beiden Künstler, deren Karrieren mit Größen wie Paco de Lucía, María del Mar Bonet und Buika verbunden sind, präsentieren eine Performance, die Jazz und Flamenco durch Improvisation, Gesang und Tanz zu einem Dialog zwischen musikalischen Welten verschmelzen lässt. Dieser Dialog symbolisiert den Geist der Begegnung und der kreativen Freiheit, den das Theater fördern möchte. Das Winterprogramm vereint bedeutende Werke und zeitgenössische Produktionen mit Stücken, die einen starken gesellschaftlichen Inhalt vermitteln. Führende Unternehmen und Künstler wie Producciones de Hierro, La Impaciencia, Colectivo NINS, La Fornal de Espectáculos, Teatro Nu, Om Imprebís und Toni Albà werden teilnehmen. Titel wie Cyrano, Pflaume, Z/B (Zweig & Bernanos), Woher kommen wir? Und 50 Jahre Memokratie Unter anderem schaffen sie ein vielfältiges Programm, das sich bühnenhaft mit der Gegenwart auseinandersetzt.

Wenn ich mich für nur ein Stück entscheiden müsste, wäre es mit Sicherheit Cyrano de Bergerac, Edmond Rostands Stück, das ich mit ziemlicher Sicherheit am häufigsten in einer Adaption gesehen habe, weckt nun, mit Salvador Olivas Bearbeitung durch die Theatergruppe La Impaciencia – gegründet von Rodo Gener, Salvador Oliva und Xavi Núñez und inszeniert von Luis Venegas –, mindestens zwei gegensätzliche Gefühle im Teatro Principal in Ciudad. Einerseits die Freude, die Worte, Abenteuer und Missgeschicke eines Menschen zu sehen und zu hören, den man einfach bewundern, beneiden und dem man niemals auch nur annähernd nahekommen kann. Andererseits, ich gestehe es, die Zweifel, wie weit diese wagemutige Gruppe mit nur drei Schauspielern und vier Holzkisten als Bühnenbild in nur anderthalb Stunden Spielzeit kommen kann.