Los Estunmen kommen in die Teatros del Canal, nachdem sie das Lliure de Barcelona mit allen Segnungen und dem Segen des Liceu und des Real passiert haben, aber mit dem Zögern, als ob ein Produkt dieser Eigenschaften noch nicht genügend Garantien für die Aufführung in den Stammhäusern hätte. Vielleicht sind es nur Vorurteile, was nach dem Anblick einer opernhaften Kreation im großen Haus, in beiden und in vielen anderen, die "deunidó" war, nicht verstanden wird. Es ist klar, dass die Urheber der Schöpfung, Nao Albet und Marcel Borràs, die Rolle - die auch ein Spiel ist, das perfekt zu diesem Baby passt - der Transgression gespielt haben und dies bereits ab dem Titel ankündigen. "Els estunmen" ist nichts anderes als die Aussprache von "stuntmen", den Spezialisten, den Doubles der Protagonisten, denen, die da sind und so tun, als ob sie es wären. Die "cappares", Albet und Borràs, sagen, es sei eine Oper, und wahrscheinlich haben sie Recht und Gründe, sie in dieses Genre einzuordnen, in dem die Zeitgenossenschaft immer fast unüberwindbare Barrieren findet. Die Musik stammt von Fernando Velázquez, der anstatt zu transgressieren eine präzise und passende Allianz nicht weniger operner Epochen schmiedet, obwohl, wenn die Geschichte unter anderem von Helden handelt, wer wäre besser als Wagner als große Inspirationsquelle. Aus diesem und vielen anderen Gründen stehen wir vor einer "guesamcunstverq", wie das Gesamtkunstwerk des Herrn von Bayreuth ausgesprochen wird.

Diesen Mittwoch, den 3. Juni, im Rahmen der Buchmesse Palma, auf der Plaça d’Espanya, wird Pere Estelrich i Massutí seine Artikelsammlung mit einem gemeinsamen Nenner und einem sehr aussagekräftigen Titel vorstellen: Cròniques Wagnerianes, herausgegeben von Edicions Documenta Balear in der Sammlung Menjavents. Estelrich braucht keine Einführung. Er ist aus eigenen Verdiensten bekannt. Mathematiker, schreibt, verbreitet Wissen und streut Weisheit überall aus: in Zeitungen, im Radio, wo immer seine Kenntnisse gefragt sind. Er schreibt, wie er spricht, klar und unterhaltsam, wie es nur jemand kann, der einen reichen Erfahrungsschatz von vielen Jahren und nicht wenig Arbeit mit sich trägt, die mit Leidenschaft ausgeführt wurde, welche seine Worte unbestreitbar vermitteln.

Obwohl Alexandre Ballester bereits vor fünfzehn Jahren von uns gegangen ist, wird er für immer in der Erinnerung derer bleiben, die seine Kunstfertigkeit, seinen Charme und seine Scharfsinnigkeit genossen haben. Dass das Teatre Principal Palma beschließt, es allen zugänglich zu machen, die nicht das Glück hatten, uns zu erleben, ist zweifellos nicht nur ein Erfolg, sondern auch eine wohlverdiente Ehrung. Die Produktion hingegen ist vom Feinsten, mit einer grandiosen Bühnenbildgestaltung, die jedoch durch ihre Mobilität für andere Bühnen der Insel eingeschränkt ist, und einer Luxusbesetzung, angeführt von Miquel Àngel Torrens, zusammen mit Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila und Patxi Arostegui. Das Stück "Un baül groc per a Nofre Taylor", das einst Joan Lluís Bozzo auf die alternativen katalanischen Bühnen brachte, kurz vor der Gründung von Dagoll Dagom, war in der Kiste der vergessenen Stücke verschwunden. Marga López war für diese Wiederentdeckung verantwortlich, für dieses hyperrealistische Porträt der menschlichen Verfassung, denn das ist, und nichts anderes, Ballesters Stück. Die Züge des Reichen und Mächtigen haben sich weder wenig noch gar nicht verändert, denn sie waren schon immer so, seit Anbeginn der Zeit. Dies wäre eine sorgfältige, aber einfache Lesart, denn die Untertanen der Kaiser/Unternehmer spielen ebenfalls immer die gleiche Rolle, die der Unterwerfung. Darüber hinaus könnten wir jedem einzelnen der auftretenden Charaktere Namen und Nachnamen von bekannten Personen geben, so bekannt, dass sie vielleicht unsere eigenen sind. Ballesters Pinsel ließ nie eine Ecke unbemalt.

Das Programmheft von Calidoscopi, der neuesten Kreation von Estudi Zero, besagt, dass „die Charaktere sich durch absurde, gewalttätige oder zutiefst menschliche Situationen bewegen“. Stimmt, aber es wäre noch viel mehr so, wenn die Konjunktion kopulativ und nicht disjunktiv wäre. Wenn die Situationen absurd und gewalttätig sind, ist klar, dass sie unbestreitbar sehr menschlich sind. Die Karikatur entstellt die Realität nicht, sondern akzentuiert sie, so dass dieser kühne, irrationale und skurrile Punkt die metaphorische Darstellung der menschlichen Verfassung wirkungsvoller macht. Dass die Vorstellung aus verschiedenen kleinen Geschichten besteht, verleiht ihr das Siegel von Sans, so dass sie uns auf jene Reise mitnimmt, die in diesem selben Saal Karl Valentin steuerte. Für diesen Anlass sind verschiedene Autoren in der Besetzung von Calidoscopi vertreten – Esteve Soler, Juan Mayorga und Joël Pommerat –, was dazu führt, dass die Art der verschiedenen Sketche die Wärme jedes einzelnen sehr steigert. Es gibt keinen weißen Humor. Alle enthalten eine hohe Dosis Gift, im gleichen Verhältnis wie Ätzendes und Sarkasmus und ohne Angst, rote Linien zu überschreiten.Esteve Soler, Juan Mayorga und Joël Pommerat – was die unterschiedliche Art der verschiedenen Sketche ausmacht, die die Hitze jedes einzelnen ein wenig steigert. Es gibt keinen weißen Humor. Alle enthalten eine hohe Dosis Gift, im gleichen Verhältnis wie Schärfe und Sarkasmus, und scheuen sich nicht, rote Linien zu überschreiten.

Der malerische Kreuzgang von Sant Bonaventura beherbergte die Zeremonie der wirbelnden Derwische, organisiert von der Toni Catany Stiftung, die, wie im Programmheft steht, eine Vorliebe für die Kulturen des Mittelmeers hatte, die sie bereiste und von denen sie künstlerische Zeugnisse in unzähligen Fotoserien hinterließ. Es ist keine Show, es istRobert Graves sagte im Vorwort zu The Sufis von dem Gründungsdenker Idries Shah, dass „Sufismus einen Strom innerer Erleuchtung darstellte, der auf Liebe und Selbsterkenntnis zentriert war, frei von unterdrückenden Dogmen“. All dies wurde in dieser Darstellung der Musik und Tänze der klassischen Mevlevi-Sufi-Tradition deutlich. Der Saal war voll; die Stille absolut, ehrfürchtig. Als ob es sich um einen Gottesdienst mit all seiner mystischen Bedeutung handelte. Die asketischen Bewegungen der Derwische gaben die spirituelle Eigenart der Aufführung vor und zeigten gleichzeitig eine sowohl ästhetische als auch nüchterne und zönobitische Kadenz.Die Musik, gefühlvoll und tiefgründig, mit den traditionellen melodischen Phrasen der Maqamat, die, während die Stimmen die Namen der Propheten rezitierten, der Darbietung die reine und transzendente Legierung zwischen dem einen und dem anderen verliehen. Es war das Gefühl, dass alles viel mehr war, als unsere Sinne auf den ersten Blick erfassen konnten. Es war eine passende und emotionale Hommage, aber auch eine Tür, die sich zu einer anderen Art zu sehen und zu leben öffnete.

Es gibt Momente in der Oper, die immer und ausnahmslos absolut unvergesslich sind. Das sind jene, bei denen, wenn der Sänger oder die Sängerin gerade die berühmteste Arie der Komposition zu Ende gespielt hat, der Applaus des Publikums einen besonderen, sehr beredten, ja sogar fordernden Ton hat. Und wenn sie fast immer an Intensität verlieren, steigen in diesen Fällen die Dezibel exponentiell an. Der Protagonist schweigt zuerst, respektvoll und dankbar, ohne jede Bewegung, nicht einmal die kleinste, die die Party unterbrechen könnte, die die Zuschauer von dort oben begonnen und den Rest angesteckt haben. Er blickt zum Dirigenten. Dieser wartet aufmerksam darauf, dass der Protagonist zustimmend die Augen schließt und damit bestätigt, was mehr oder weniger jeder bereits klar hatte. Und so beginnt erneut die Apotheose, die Zugabe. Für die Mallorquiner, die wir dort waren, hatte es einen Mehrwert, die erste, die Xabier Anduaga sang, mit Una furtiva lagrima, fand im Teatro Principal de Palma statt. Am Sonntag, bei der dritten Aufführung seines ersten Werther, explodierte das Liceu und machte den Abend unvergesslich, zu jenen, die man nicht vergisst. Xabier Anduaga gab zum ersten Mal bei seinem Debüt als der tragische Charakter schlechthin die berühmte und legendäre Pourquoi me réveiller. Eine Umstand, der den Rest der Vorstellung zu einer reinen Anekdote hätte machen können.

Die Herausforderung war sehr riskant. Die liaison zwischen dem Teatre Principal von Inca und dem Kammerorchester von Mallorca trägt immer schmackhaftere Früchte. Davon abgesehen muss dieser jüngste Erfolg gelobt werden, der sicherlich nicht der letzte sein wird, und zwar die vollständige Inszenierung von Nicht unbeteiligt daran ist, sondern ganz im Gegenteil, Bernat Quetglas, der Chefdirigent des Orchesters, des Projekts und der Aufführung. Eine gut gemachte Arbeit, bei der er dem Publikum nicht viele Gelegenheiten gegeben hat, seine Zustimmung mit den üblichen Fächern zu bekunden, so oft es hätte geschehen können. Aber nicht weniger wahr ist, dass er auf diese Weise der Handlung einen grundlegenden Pluspunkt an Kontinuität verliehen hat. Gleichzeitig hat er der Formation eine musikalische Spannung mit optimalen Ergebnissen verliehen, und als große Errungenschaft würde ich das unerlässliche musikalische Gleichgewicht hervorheben, das die Aufführung zu jeder Zeit prägte. Eine maßvolle, abgewogene und gemäßigte Aufführung, bei der es fast unmöglich ist, den einen oder anderen hervorzuheben.

„Ich stehe am Schwellenpunkt der Vollkommenheit“, schrieb Mozart 1790 in einem Brief, dem Jahr der Uraufführung von Così fan tutte, oder La scuola degli amanti. Christoph Wolff zitiert dies in seinem Essay und macht es zum Titel des Buches, das von Ramón Andrés ins Deutsche übersetzt und von Acantilado veröffentlicht wurde. Er erzählt unter anderem, dass das Libretto, das Da Ponte Mozart vorlegte, den Titel trug, der zum Untertitel wurde, Mozart aber aus musikalischen und wohl auch anderen Gründen den Titel, den wir alle kennen, für geeigneter hielt. Es muss gesagt werden, dass Da Ponte den Namen, unter dem das Werk in die Geschichte und seine „Memorias“ eingegangen ist, niemals anerkannte. Er erwähnt ihn nur einmal in einem kleinen Absatz, in dem er erzählt, er habe ein drittes Stück für eine Sängerin geschrieben, die er nicht namentlich nennt, die aber Adriana del Bene war, bekannt als die Ferrarese, seine damalige Geliebte. Es waren El pastor Fido und La xifra von Salieri und La scuola degli amanti von Mozart, „ das den dritten Platz unter den Schwestern einnimmt, die aus diesem berühtesten Vater der Harmonie hervorgegangen sind“. Kein Wort mehr. Es wird deutlich, dass die Interpretation des Werks zwischen beiden konzeptionell sehr unterschiedlich war, zumindest was den Titel betrifft. Mozart seinerseits legte Wert auf das weibliche Verhalten, während Da Ponte eine philosophische, revolutionäre und sicherlich viel raffiniertere und tiefgrünere Lesart suchte und fand.

Die Klassiker aufgreifen und von dort aus erzählen, was man erzählen will, war der erzählerische Kniff, mit dem Miquel Mas Fiol diese 'Millennial' Condition-Trilogie inszeniert hat. Der Autor und Regisseur hat sich nicht lumpen lassen. Das erste Opfer war Voltaire; das zweite, Goethe, und das dritte, Victor Hugo. Kandide oder die beste aller Welten, Die Leidendes jungen Werthers und dieses letzte, Die Elenden, waren das MacGuffin für den Autor, um seine Rede zu entfachen, die darauf basiert, Spaß zu haben, ohne jemandem auch nur einen Kopf auf den Schultern zu lassen. Kein einziger Stock aufrecht, ausnahmslos. Der erste, sein eigener, schon bevor die Vorstellung begann, mit zwei der Protagonisten, die Schmähungen gegen den Autor schleuderten. Von Missbraucher bis Ausbeuter… während die Leute den Saal betraten. Dies ist seine Lizenz, die Freikarte, die ihm erlaubt, gnadenlos zu schlagen, nach Belieben, jenseits aller roten Linien.

Neuntes Konzert der Saison des Symphonieorchesters Illes Balears im Auditorium von Ciutat, das mit dem eigenwilligen Konzert für Vögel und Orchester des finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara unter der Leitung eines Dirigenten von enormer Präsenz in jeder Hinsicht, wie dem Norweger Rune Bergmann, begann. Er war zweifellos derjenige, der das Konzert zu einem Spektakel von entsprechenden Dimensionen machte. Kurz nach der ornithologischen Komposition kam der erste Höhepunkt des Programms mit der Pianistin Olga Kern als Hauptdarstellerin, um das Konzert für Klavier und Orchester in a-Moll op. 54 von Robert Schumann zu interpretieren. Sie begann den ersten Satz mit einem sehr soliden, etwas steinigen Stil und einem sehr festen Puls, von dem entschlossenen Eintritt des Klaviers mit einer martialischen und kraftvollen Abfolge absteigender Akkorde bis hin zur polyedrischen Kadenz des Finales, von wo aus die Koloratur der Komposition mit ebenso viel Präzision wie Eleganz gesteigert wurde. Ihre Interpretation steigerte sich in Niveau und Zartheit, wie zum Beispiel im Andantino grazioso, einem unterhaltsamen Dialog zwischen Orchester und Klavier, der sich nach und nach in einen zarten und subtilen Monolog des Soloinstruments verwandelte. Kern machte ihre Meisterschaft und ihre Fähigkeit, all diese Reihe von Variationen und Stilen anzudeuten, die Schumann in die Partitur einarbeitete, auf eine für seine Zeit sehr neuartige Weise deutlich. Die Solistin nahm mit neuem Schwung den energischen Ton des Anfangs wieder auf, in einem stürmischen dritten Satz, als sie plötzlich einen köstlichen neuen Dialog, diesmal mit der Oboe, etablierte, wie eine Ankündigung der außergewöhnlichen finalen Coda, die nur als außergewöhnlich bezeichnet werden kann und die Protagonistin dazu brachte, den enthusiastischen Applaus des Publikums entgegenzunehmen. Wie es sein musste und wie alle erwarteten, gab es eine Zugabe, zuerst ein Prélude von Claude Debussy, das nie enttäuscht oder gleichgültig lässt. Makellos. Und auf die Bitte in Form einer Ovation folgte eine weitere kleine Perle von Nikolai Myaskovsky, eine Klavierbearbeitung von Joseph Horovitz.

Neuntes Konzert der Saison des Orquestra Simfònica Illes Balears im Auditorium de Ciutat, das mit dem eigenartigen , des finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara, unter der Leitung eines Dirigenten mit enormer Präsenz in jeder Hinsicht, des Norwegers Rune Bergmann, begann. Er war es zweifellos, der das Konzert zu einem Spektakel von seinen Dimensionen entsprechenden Ausmaßen machte. Direkt nach der ornithologischen Komposition kam der erste Höhepunkt des Programms mit der Pianistin Olga Kern als Hauptdarstellerin, um das Konzert für Klavier und Orchester in a-Moll op. 54 von Robert Schumann zu interpretieren. Er begann den ersten Satz mit einem sehr soliden, etwas felsigen Stil und einem sehr festen Puls, vom entschlossenen Eintritt des Klaviers mit einer martialischen und kraftvollen Abfolge absteigender Akkorde bis hin zur polyedrischen Kadenz des Finales, von wo aus er die Koloratur der Komposition mit ebenso viel Präzision wie Eleganz steigerte. Seine Interpretation steigerte sich in Niveau und Zartheit, wie zum Beispiel beim Andantino grazioso, einem unterhaltsamen Dialog zwischen Orchester und Klavier, der sich nach und nach in einen zärtlichen und subtilen Monolog des Soloinstruments verwandelte. Kern zeigte ihre Meisterschaft und ihre Fähigkeit, all diese Variationen und Stile, die Schumann seinerzeit auf neuartige Weise in die Partitur integriert hatte, anzudeuten. Die Solistin nahm wieder den energischen Ton des Anfangs auf, in einem stürmischen dritten Satz, als sie plötzlich einen köstlichen neuen Dialog, diesmal mit der Oboe, etablierte, als Ankündigung der außergewöhnlichen Schluss-Coda, die nur als außergewöhnlich bezeichnet werden kann und der Protagonistin die begeisterten Ovationen des Publikums einbrachte. Wie es sein musste und wie alle erwarteten, gab es eine Zugabe, zuerst ein Prélude von Claude Debussy, das nie enttäuscht oder gleichgültig lässt. Makellos. Und angesichts der Bitte in Form einer Ovation, ein weiteres kleines Juwel von Nikolai Myaskowski, eine Klavierbearbeitung von Joseph Horovitz.

Dritte Folge einer neuen Spielzeit im Teatre Principal d’Inca, Heimat des Kammerorchesters von Mallorca, das wir in der Kirche von Llubí wieder hören durften. Ein Programm, das für sich genommen schon sehr verlockend war, mit einem Schwierigkeitsgrad, der ihm einen Mehrwert verlieh, und mit einer unbestreitbaren Figur, Eduardo Ríos, Geiger der Berliner Philharmoniker, als Solist, der für diesen Anlass beauftragt wurde, dem Violinkonzert und Orchester in D-Dur, op. 6, Leben einzuhauchen. Eines der kompliziertesten Konzerte und das einzige, das Ludwig van Beethoven für dieses Instrument komponierte. Eine Komposition, die, wie so viele andere, ihre Legende mit sich trägt. Uraufgeführt von Franz Clement, erhielt er die Partitur kurz vor dem Konzert und spielte sie, als wäre es fast eine erste Lesung, fügte aber außerdem eine eigene Sonate als Kadenz hinzu, die auf einer einzigen Saite und mit umgedrehter Geige gespielt wurde. So schwierig war die Ausführung des Konzerts, dass die Virtuosen der damaligen Zeit es für unspielbar hielten, bis sechsunddreißig Jahre nach der Uraufführung, im Alter von dreizehn Jahren und unter der Leitung von Felix Mendelssohn, Josef Joachim es auf den Sockel stellte, der ihm gebührt und von dem es nie wieder heruntergekommen ist.

Dritte Folge einer neuen Spielzeit im Teatre Principal d’Inca, Heimat des Kammerorchesters von Mallorca, das wir in der Kirche von Llubí wieder hören durften. Ein Programm, das für sich genommen schon sehr verlockend war, mit einem Schwierigkeitsgrad, der ihm einen Mehrwert verlieh, und mit einer unbestreitbaren Figur, Eduardo Ríos, Geiger der Berliner Philharmoniker, als Solist, der für diesen Anlass beauftragt wurde, dem Violinkonzert und Orchester in D-Dur, op. 6, Leben einzuhauchen. Eines der kompliziertesten Konzerte und das einzige, das Ludwig van Beethoven für dieses Instrument komponierte. Eine Komposition, die, wie so viele andere, ihre Legende mit sich trägt. Uraufgeführt von Franz Clement, erhielt er die Partitur kurz vor dem Konzert und spielte sie, als wäre es fast eine erste Lesung, fügte aber außerdem eine eigene Sonate als Kadenz hinzu, die auf einer einzigen Saite und mit umgedrehter Geige gespielt wurde. So schwierig war die Ausführung des Konzerts, dass die Virtuosen der damaligen Zeit es für unspielbar hielten, bis sechsunddreißig Jahre nach der Uraufführung, im Alter von dreizehn Jahren und unter der Leitung von Felix Mendelssohn, Josef Joachim es auf den Sockel stellte, der ihm gebührt und von dem es nie wieder heruntergekommen ist.

Es muss nicht einfach gewesen sein, ein paar Stücke auszuwählen, mit denen der vierzigste Jahrestag einer so bedeutenden Theaterkompanie wie Iguana Teatre gefeiert werden kann. Eine Gruppe, die keine Geschichte ist, sondern „die Geschichte“ des zeitgenössischen Theaters der Balearen, aus dem einfachen Grund, dass sie diejenigen waren, die den Weg ebneten, auf dem viele andere ihre Reise begonnen haben. Sie haben Sa varietat de sa locura ausgewählt, um dieses Ereignis gemeinsam mit dem Teatre Principal zu begehen. Ein Stück, das vielleicht nicht das repräsentativste für ihren Charakter ist, es hätten viele andere aus den über fünfzig sein können, die sie auf die Bühne gebracht haben, aber andererseits ist es der Beweis für ihre Vielseitigkeit, für diese Gewohnheit, auf allen Ebenen des Theaters zu wandeln, von den Klassikern bis zu den Avantgardisten, aus einer erforschenden Perspektive, mit ihrem stets suchenden und respektvoll brechenden Siegel, das sie zu dieser Reihe von Interludes führte, die ein so eigenartiges Spektakel bilden.

Die Frage des Titels ist unbeantwortbar, aber der Biograf von Verdi, Julian Budden, urteilte, dass gerade im Requiem die größte Konzentration seines Genies zum Ausdruck kam. Unter den vielen Totenmessen, die das Universum der Musik bevölkern, ist es nicht allzu schwer, mit vielen Anhaltspunkten zu der Annahme zu gelangen, dass diese hier die komplexeste, monumentalste und anthologischste von allen ist. Es war kein Genre, das Giuseppe Verdi besonders gepflegt hätte. Es war seine Beteiligung mit einem Libera me Domine, das er zusammen mit zwölf anderen Komponisten Gioachino Rossini, dem Schwan von Pesaro, widmete. Ein Stück, das nicht einmal uraufgeführt wurde, als seine erste Aufführung geplant war, die Erinnerung an das erste Todesjahr dessen, dem es gewidmet war. Verdi rettete es, als er beschloss, seines Alessandro Manzoni zu widmen. So begann die Geschichte dieses kolossalen musikalischen Wolkenkratzers, den wir als sechstes Konzert der Saison des Symphonieorchesters der Balearen, zusammen mit dem Chor der UIB, unter der Leitung von Núria Cunillera, Mira Alkhovix, Sopran; Sílvia Tro Santafé, Mezzosopran; Antoni Lliteres, Tenor und Simón Orfila, Bass, genießen konnten. Pablo Mielgo leitete die Veranstaltung.

Ein Konzert für alle, die eine Leidenschaft für Musik hegen. Vielleicht lag es daran, und auch daran, dass viele Kinder und Studenten des Konservatoriums anwesend waren, dass im Auditorium am Passeig Marítim eine wunderbare Atmosphäre herrschte. Das Programm war fesselnd, von Anfang bis Ende. Es begann mit dem/der/demEröffnung Nr. 3, von Leonora, das Beethoven als zu wichtig und imposant erachtete, als dass es als Beginn einer Oper – der einzigen, die er komponierte – an Bedeutung verlieren sollte. FidelioDas besagte Stück sollte zunächst erwähnt werden. Und so erklang, imposant und mit passender Melodie, der Prolog zum siebten Konzert der Saison des Illes Balears Symphony Orchestra unter der Leitung von Pablo Mielgo. Eine majestätische Darbietung, würde ich sogar sagen, mit einer besonderen Ausstrahlung des Dirigenten und der sechzig Musiker, die ihn an diesem ganz besonderen Abend begleiteten, als sie eine so präzise musikalische Zusammenfassung dessen interpretierten, was die einzige Opernkomposition des Genies aus Bonn bleiben sollte. Es war deutlich spürbar, dass der Wunsch bestand, dem Publikum etwas mehr Freude zu bereiten als sonst, und das machten sie von den ersten Takten an deutlich.

Rückkehr zum Gran Teatre del Liceu Manon Lescaut, von Puccini, und zwar mit einem wahrhaft unschlagbaren Hauptdarsteller: dem großartigen Asmik Grigorian, dessen Inszenierung von Àlex Ollé geleitet und von Josep Pons dirigiert wird. Dies ist die zweite musikalische Bearbeitung von Antoine François Prévosts Roman, der ursprünglich den Titel trug Die Geschichte des Chevalier des Grieux und Manon Lescaut, Der Maestro aus Lucca feierte seinen ersten großen öffentlichen Erfolg. Ein Erfolg, von dem die Ricordi-Leitung, abgesehen von seinem Chef und dem Chef selbst, nicht gänzlich überzeugt war, da es sich um dieselbe Geschichte handelte, die Jules Massenet zehn Jahre zuvor mit großem Erfolg inszeniert hatte. Obwohl es immer noch diejenigen gibt, die sagen, dass Manon Es gibt nur einen, und sie meinen nicht den, über den wir sprechen; dieser hier hat sich zweifellos bereits seinen Platz unter denen verdient, die nicht aus den großen Rennserien herausgenommen wurden. Manon Der Grigorianische Gesang ist ein zusätzlicher Gewinn, sowohl in dramatischer Hinsicht, was in diesem Fall unerlässlich ist, als auch in gesanglicher Hinsicht, mit einer exzellenten, makellosen Darbietung.

Wir könnten viele Beispiele anführen, die die Richtigkeit des Titels bestätigen, aber schon die letzten drei Opern, die ich in den vergangenen Tagen gesehen habe, beseitigen sofort jeden Zweifel. Die erste war die Götterdämmerung Wagners Oper, in der deutlich wird, dass Brünhilde die tragische und zentrale Protagonistin ist. Und sie ist niemand anderes als Senta, die die Hauptrolle in der Oper spielt. Der Fliegende Holländerwas wir im Haupttheater von Ciudad genießen konntenDie Zum Abschluss der Woche im Gran Teatre del Liceu ist derjenige, der das Banner trägt, auch derjenige, der dem Werk seinen Titel gibt. Die Mona Lisa. Eine Komposition, die einzige bekannte von Amilcare Ponchielli, und dennoch ein unbestrittenes Meisterwerk, das sechs Spitzenstimmen benötigt, um sein volles Potenzial zu entfalten, wie es in der Produktion zwischen dem Liceu und dem Teatro San Carlo in Neapel unter der Regie von Romain Gilbert der Fall war. Basierend auf einem Drama von Victor Hugo, Angelo, Tyrann von Padua, Zu Arrigo Boito, der unter dem Pseudonym Tobia Gorrio die Libretti für Verdis letzte und eine seiner bedeutendsten Opern verfasste, brachte diese nach Venedig. Diesen Aspekt hat Gilbert mit absoluter Werktreue wiedergegeben und lediglich einige wenige persönliche Akzente hinzugefügt. conmedia dell'arte, unter Einbeziehung von Harlekin, Pantalone Und Akelei, neben einigen erzählerischen Freiheiten, wie beispielsweise dem endgültigen Auftreten von Die blinde Frau, von Violeta Urmana, die sich viele ihrer Qualitäten bewahrt hat und vor allem die Fähigkeit besitzt, die wesentlichen Merkmale der Figur präzise darzustellen.

Der fliegende Holländer, von Richard Wagner, im Principal Theater. Unmöglich!, dachten viele von uns. Mein FehlerZweifellos schwierig, aber gute Arbeit und kluge Entscheidungen haben sich durchgesetzt. Das ist kein Spoiler. Es war ein Erfolg mit ausverkauftem Haus, und ohne Irrtum – fehlerfrei – wie der Komponist sagen würde, und wenn er es nicht aussprach, so dachte er es doch sicherlich. Alles funktionierte perfekt. Nichts enttäuschte, und vielleicht war diese bemerkenswerte Ausgewogenheit die beste und wichtigste der vielen Vorzüge der Show. Der Kreis war aus offensichtlichen Gründen kleiner als üblich, aber er war zweifellos perfekt. Eine Tatsache, die bereits in den ersten Absprachen deutlich wurde.Öffnung, Mit dem imposanten Blech, das die stürmische Tragödie ankündigte, hatte das Symphonieorchester der Balearen unter der Leitung von Guillermo Garcia-Calvo, für den Wagner weit weniger Geheimnisse birgt als für die meisten Dirigenten, die Essenz von Bayreuth so vollkommen erfasst und damit die erste Anforderung an die Orchestergröße erfüllt: Der Klang war kraftvoll und raumfüllend, reich an Texturen und makellos klar.

Achtundzwanzig Aufführungen fanden bereits in den Bars verschiedener Lokale in Ciutat statt, die sich im Laufe der Jahre zu wahren Theaterzentren entwickelt haben. Jeden Donnerstag strömen die Gäste hierher, um bei einem Bier und einer Tapa die wunderbaren kleinen Geschichten zu genießen. Das diesjährige Thema bietet reichlich Stoff: Tourismus, den keiner der Autoren verherrlicht oder auch nur angedeutet hat. Andererseits ist es schwieriger denn je, eine Aufführung der anderen vorzuziehen.