Dritte Folge einer neuen Spielzeit im Teatre Principal d’Inca, Heimat des Kammerorchesters von Mallorca, das wir in der Kirche von Llubí wieder hören durften. Ein Programm, das für sich genommen schon sehr verlockend war, mit einem Schwierigkeitsgrad, der ihm einen Mehrwert verlieh, und mit einer unbestreitbaren Figur, Eduardo Ríos, Geiger der Berliner Philharmoniker, als Solist, der für diesen Anlass beauftragt wurde, dem Violinkonzert und Orchester in D-Dur, op. 6, Leben einzuhauchen. Eines der kompliziertesten Konzerte und das einzige, das Ludwig van Beethoven für dieses Instrument komponierte. Eine Komposition, die, wie so viele andere, ihre Legende mit sich trägt. Uraufgeführt von Franz Clement, erhielt er die Partitur kurz vor dem Konzert und spielte sie, als wäre es fast eine erste Lesung, fügte aber außerdem eine eigene Sonate als Kadenz hinzu, die auf einer einzigen Saite und mit umgedrehter Geige gespielt wurde. So schwierig war die Ausführung des Konzerts, dass die Virtuosen der damaligen Zeit es für unspielbar hielten, bis sechsunddreißig Jahre nach der Uraufführung, im Alter von dreizehn Jahren und unter der Leitung von Felix Mendelssohn, Josef Joachim es auf den Sockel stellte, der ihm gebührt und von dem es nie wieder heruntergekommen ist.

Dritte Folge einer neuen Spielzeit im Teatre Principal d’Inca, Heimat des Kammerorchesters von Mallorca, das wir in der Kirche von Llubí wieder hören durften. Ein Programm, das für sich genommen schon sehr verlockend war, mit einem Schwierigkeitsgrad, der ihm einen Mehrwert verlieh, und mit einer unbestreitbaren Figur, Eduardo Ríos, Geiger der Berliner Philharmoniker, als Solist, der für diesen Anlass beauftragt wurde, dem Violinkonzert und Orchester in D-Dur, op. 6, Leben einzuhauchen. Eines der kompliziertesten Konzerte und das einzige, das Ludwig van Beethoven für dieses Instrument komponierte. Eine Komposition, die, wie so viele andere, ihre Legende mit sich trägt. Uraufgeführt von Franz Clement, erhielt er die Partitur kurz vor dem Konzert und spielte sie, als wäre es fast eine erste Lesung, fügte aber außerdem eine eigene Sonate als Kadenz hinzu, die auf einer einzigen Saite und mit umgedrehter Geige gespielt wurde. So schwierig war die Ausführung des Konzerts, dass die Virtuosen der damaligen Zeit es für unspielbar hielten, bis sechsunddreißig Jahre nach der Uraufführung, im Alter von dreizehn Jahren und unter der Leitung von Felix Mendelssohn, Josef Joachim es auf den Sockel stellte, der ihm gebührt und von dem es nie wieder heruntergekommen ist.

Es muss nicht einfach gewesen sein, ein paar Stücke auszuwählen, mit denen der vierzigste Jahrestag einer so bedeutenden Theaterkompanie wie Iguana Teatre gefeiert werden kann. Eine Gruppe, die keine Geschichte ist, sondern „die Geschichte“ des zeitgenössischen Theaters der Balearen, aus dem einfachen Grund, dass sie diejenigen waren, die den Weg ebneten, auf dem viele andere ihre Reise begonnen haben. Sie haben Sa varietat de sa locura ausgewählt, um dieses Ereignis gemeinsam mit dem Teatre Principal zu begehen. Ein Stück, das vielleicht nicht das repräsentativste für ihren Charakter ist, es hätten viele andere aus den über fünfzig sein können, die sie auf die Bühne gebracht haben, aber andererseits ist es der Beweis für ihre Vielseitigkeit, für diese Gewohnheit, auf allen Ebenen des Theaters zu wandeln, von den Klassikern bis zu den Avantgardisten, aus einer erforschenden Perspektive, mit ihrem stets suchenden und respektvoll brechenden Siegel, das sie zu dieser Reihe von Interludes führte, die ein so eigenartiges Spektakel bilden.

Die Frage des Titels ist unbeantwortbar, aber der Biograf von Verdi, Julian Budden, urteilte, dass gerade im Requiem die größte Konzentration seines Genies zum Ausdruck kam. Unter den vielen Totenmessen, die das Universum der Musik bevölkern, ist es nicht allzu schwer, mit vielen Anhaltspunkten zu der Annahme zu gelangen, dass diese hier die komplexeste, monumentalste und anthologischste von allen ist. Es war kein Genre, das Giuseppe Verdi besonders gepflegt hätte. Es war seine Beteiligung mit einem Libera me Domine, das er zusammen mit zwölf anderen Komponisten Gioachino Rossini, dem Schwan von Pesaro, widmete. Ein Stück, das nicht einmal uraufgeführt wurde, als seine erste Aufführung geplant war, die Erinnerung an das erste Todesjahr dessen, dem es gewidmet war. Verdi rettete es, als er beschloss, seines Alessandro Manzoni zu widmen. So begann die Geschichte dieses kolossalen musikalischen Wolkenkratzers, den wir als sechstes Konzert der Saison des Symphonieorchesters der Balearen, zusammen mit dem Chor der UIB, unter der Leitung von Núria Cunillera, Mira Alkhovix, Sopran; Sílvia Tro Santafé, Mezzosopran; Antoni Lliteres, Tenor und Simón Orfila, Bass, genießen konnten. Pablo Mielgo leitete die Veranstaltung.

Ein Konzert für alle, die eine Leidenschaft für Musik hegen. Vielleicht lag es daran, und auch daran, dass viele Kinder und Studenten des Konservatoriums anwesend waren, dass im Auditorium am Passeig Marítim eine wunderbare Atmosphäre herrschte. Das Programm war fesselnd, von Anfang bis Ende. Es begann mit dem/der/demEröffnung Nr. 3, von Leonora, das Beethoven als zu wichtig und imposant erachtete, als dass es als Beginn einer Oper – der einzigen, die er komponierte – an Bedeutung verlieren sollte. FidelioDas besagte Stück sollte zunächst erwähnt werden. Und so erklang, imposant und mit passender Melodie, der Prolog zum siebten Konzert der Saison des Illes Balears Symphony Orchestra unter der Leitung von Pablo Mielgo. Eine majestätische Darbietung, würde ich sogar sagen, mit einer besonderen Ausstrahlung des Dirigenten und der sechzig Musiker, die ihn an diesem ganz besonderen Abend begleiteten, als sie eine so präzise musikalische Zusammenfassung dessen interpretierten, was die einzige Opernkomposition des Genies aus Bonn bleiben sollte. Es war deutlich spürbar, dass der Wunsch bestand, dem Publikum etwas mehr Freude zu bereiten als sonst, und das machten sie von den ersten Takten an deutlich.

Rückkehr zum Gran Teatre del Liceu Manon Lescaut, von Puccini, und zwar mit einem wahrhaft unschlagbaren Hauptdarsteller: dem großartigen Asmik Grigorian, dessen Inszenierung von Àlex Ollé geleitet und von Josep Pons dirigiert wird. Dies ist die zweite musikalische Bearbeitung von Antoine François Prévosts Roman, der ursprünglich den Titel trug Die Geschichte des Chevalier des Grieux und Manon Lescaut, Der Maestro aus Lucca feierte seinen ersten großen öffentlichen Erfolg. Ein Erfolg, von dem die Ricordi-Leitung, abgesehen von seinem Chef und dem Chef selbst, nicht gänzlich überzeugt war, da es sich um dieselbe Geschichte handelte, die Jules Massenet zehn Jahre zuvor mit großem Erfolg inszeniert hatte. Obwohl es immer noch diejenigen gibt, die sagen, dass Manon Es gibt nur einen, und sie meinen nicht den, über den wir sprechen; dieser hier hat sich zweifellos bereits seinen Platz unter denen verdient, die nicht aus den großen Rennserien herausgenommen wurden. Manon Der Grigorianische Gesang ist ein zusätzlicher Gewinn, sowohl in dramatischer Hinsicht, was in diesem Fall unerlässlich ist, als auch in gesanglicher Hinsicht, mit einer exzellenten, makellosen Darbietung.

Wir könnten viele Beispiele anführen, die die Richtigkeit des Titels bestätigen, aber schon die letzten drei Opern, die ich in den vergangenen Tagen gesehen habe, beseitigen sofort jeden Zweifel. Die erste war die Götterdämmerung Wagners Oper, in der deutlich wird, dass Brünhilde die tragische und zentrale Protagonistin ist. Und sie ist niemand anderes als Senta, die die Hauptrolle in der Oper spielt. Der Fliegende Holländerwas wir im Haupttheater von Ciudad genießen konntenDie Zum Abschluss der Woche im Gran Teatre del Liceu ist derjenige, der das Banner trägt, auch derjenige, der dem Werk seinen Titel gibt. Die Mona Lisa. Eine Komposition, die einzige bekannte von Amilcare Ponchielli, und dennoch ein unbestrittenes Meisterwerk, das sechs Spitzenstimmen benötigt, um sein volles Potenzial zu entfalten, wie es in der Produktion zwischen dem Liceu und dem Teatro San Carlo in Neapel unter der Regie von Romain Gilbert der Fall war. Basierend auf einem Drama von Victor Hugo, Angelo, Tyrann von Padua, Zu Arrigo Boito, der unter dem Pseudonym Tobia Gorrio die Libretti für Verdis letzte und eine seiner bedeutendsten Opern verfasste, brachte diese nach Venedig. Diesen Aspekt hat Gilbert mit absoluter Werktreue wiedergegeben und lediglich einige wenige persönliche Akzente hinzugefügt. conmedia dell'arte, unter Einbeziehung von Harlekin, Pantalone Und Akelei, neben einigen erzählerischen Freiheiten, wie beispielsweise dem endgültigen Auftreten von Die blinde Frau, von Violeta Urmana, die sich viele ihrer Qualitäten bewahrt hat und vor allem die Fähigkeit besitzt, die wesentlichen Merkmale der Figur präzise darzustellen.

Der fliegende Holländer, von Richard Wagner, im Principal Theater. Unmöglich!, dachten viele von uns. Mein FehlerZweifellos schwierig, aber gute Arbeit und kluge Entscheidungen haben sich durchgesetzt. Das ist kein Spoiler. Es war ein Erfolg mit ausverkauftem Haus, und ohne Irrtum – fehlerfrei – wie der Komponist sagen würde, und wenn er es nicht aussprach, so dachte er es doch sicherlich. Alles funktionierte perfekt. Nichts enttäuschte, und vielleicht war diese bemerkenswerte Ausgewogenheit die beste und wichtigste der vielen Vorzüge der Show. Der Kreis war aus offensichtlichen Gründen kleiner als üblich, aber er war zweifellos perfekt. Eine Tatsache, die bereits in den ersten Absprachen deutlich wurde.Öffnung, Mit dem imposanten Blech, das die stürmische Tragödie ankündigte, hatte das Symphonieorchester der Balearen unter der Leitung von Guillermo Garcia-Calvo, für den Wagner weit weniger Geheimnisse birgt als für die meisten Dirigenten, die Essenz von Bayreuth so vollkommen erfasst und damit die erste Anforderung an die Orchestergröße erfüllt: Der Klang war kraftvoll und raumfüllend, reich an Texturen und makellos klar.

Achtundzwanzig Aufführungen fanden bereits in den Bars verschiedener Lokale in Ciutat statt, die sich im Laufe der Jahre zu wahren Theaterzentren entwickelt haben. Jeden Donnerstag strömen die Gäste hierher, um bei einem Bier und einer Tapa die wunderbaren kleinen Geschichten zu genießen. Das diesjährige Thema bietet reichlich Stoff: Tourismus, den keiner der Autoren verherrlicht oder auch nur angedeutet hat. Andererseits ist es schwieriger denn je, eine Aufführung der anderen vorzuziehen.

Animula, Vagula, Blandula/ Hospes Comesque Corporeal/ Quae nunc abibis in loca/ Blass, starr, Knötchen, Neco, ut solas, dabis yocos… So beginnt das von Kaiser Hadrian verfasste Trauergedicht, das Marguerite Yourcenar zu ihrem Werk inspirierte. Erinnerungen, Als hypothetischer Abschiedsbrief an seinen jungen Nachfolger Marc Aureli verfasste er ein Stück, das damals als unverzichtbare und zugleich entzückende Lektüre galt. Jahre später brachte kein Geringerer als Maurizio Scaparro es in einer Bearbeitung von Jean Launay mit Giorgio Albertazzi in der Hauptrolle auf die Bühne, die wir im Teatro Albéniz in Madrid sahen. Der Regisseur selbst inszenierte es später erneut in spanischer Sprache mit José Sancho in der Hauptrolle und tourte mit ihm durch weite Teile der Iberischen Halbinsel.

Mieter Es ist die neueste Theaterfarce der Kalorien Julia Truyol. Sie trifft stets eine gute Wahl, und zwar aus dem Umfeld, mit dem sie für viele andere zum Maßstab geworden ist. Ihre Ansprüche sind sehr hoch, und auch diesmal hat sie sie mit ihrem natürlichen Interpretationsvermögen, das ihr Markenzeichen ist, übertroffen. Mieter Es ist eine Herausforderung mit einigen unerwarteten Wendungen, die viele Elemente rund um die Geschichte erfordert, damit das Projekt gelingt. Zunächst ein gutes Drehbuch, das von einer sehr alltäglichen Situation ausgeht: Ein Mieter kündigt einer Mitbewohnerin wegen der – gelinde gesagt – ausschweifenden Zustände, an die wir uns gewöhnt haben und die wir mit einem Achselzucken und dem Gedanken „Was soll man machen?“ hinnehmen. Würde man diese alltägliche Begebenheit auf die Bühne bringen, bestünde die Gefahr, sie zu einer bloßen Alltagsbetrachtung werden zu lassen. Das ist hier nicht der Fall. Darüber hinaus braucht ein Monolog viele Anreize, um das Publikum zu fesseln. Die Protagonistin muss eine Reihe von Wandlungen durchmachen, die nur mit einem breiten Spektrum an Ausdrucksmöglichkeiten und einem Tempo gemeistert werden können, das zwar nicht frenetisch, aber sicherlich energiegeladen ist. Ständig wechselt sie ihren Tonfall, von Verzweiflung zu Resignation, und spiegelt so ihr Temperament wider.

Das fünfte Konzert der Saison des Balearischen Symphonieorchesters wartete mit einigen ungewöhnlichen Namen auf, von den Komponisten über den Solisten bis hin zum Dirigenten. Was die beiden Letzteren betrifft, so ist es selbstverständlich, dass Frank Peter Zimmermann als Solist ein wahrer Luxus und natürlich ein Privileg ist. Zimmermann brachte zudem eine spanische Erstaufführung mit, die Violinkonzert, vom Schweizer Komponisten Frank Martin. Ein Stück bezogen auf Der SturmShakespeares Werk, in dem die Figur des Ariel als ständige musikalische Anspielung dient, weist eine zumindest eigentümliche Struktur auf.Allegro quiet-Andante molto moderato-Presto— Und eine ganze Reihe von Anspielungen, von der Dodekaphonie bis zum Jazz, die sich zu einem homogenen Kaleidoskop verweben und im Finale einen spektakulären Höhepunkt erreichen. Ein anspruchsvolles Werk, in dem sowohl Orchester als auch Solist immense Energie und meisterhaftes Zusammenspiel bewiesen. Die Aufführung wurde belohnt: Zimmermann kehrte für zwei Zugaben zurück, von denen eine nicht weniger literarisch war als die Komposition selbst. Der König der Elfen Schuberts Werk, inspiriert von einem melancholischen und fantastischen Gedicht Goethes. Dieses Zusammenspiel der Protagonisten trug auch einen Namen: Pietari Inkinen, der renommierte finnische Dirigent, dessen Vita unter anderem die Leitung von Wagners Ring des Nibelungen in Bayreuth 2023 umfasst und der das volle Potenzial des Orchesters herausholte. So sehr, dass die Musiker ihm beim Verlassen der Bühne einen herzlichen und tosenden Applaus spendeten.

Wenn ich mich für nur ein Stück entscheiden müsste, wäre es mit Sicherheit Cyrano de Bergerac, Edmond Rostands Stück, das ich mit ziemlicher Sicherheit am häufigsten in einer Adaption gesehen habe, weckt nun, mit Salvador Olivas Bearbeitung durch die Theatergruppe La Impaciencia – gegründet von Rodo Gener, Salvador Oliva und Xavi Núñez und inszeniert von Luis Venegas –, mindestens zwei gegensätzliche Gefühle im Teatro Principal in Ciudad. Einerseits die Freude, die Worte, Abenteuer und Missgeschicke eines Menschen zu sehen und zu hören, den man einfach bewundern, beneiden und dem man niemals auch nur annähernd nahekommen kann. Andererseits, ich gestehe es, die Zweifel, wie weit diese wagemutige Gruppe mit nur drei Schauspielern und vier Holzkisten als Bühnenbild in nur anderthalb Stunden Spielzeit kommen kann.

Wieder einmal bot ein unvergleichlicher Rahmen den ebenso unvergleichlichen Bach. Die Kathedrale verwandelte sich in ein Bach-inspiriertes Spektakel. Zur populären und weitverbreiteten messianischen Tradition Georg Friedrich Händels müssen wir diesen kleinen, aber bedeutsamen Einblick in das Schaffen des immensen und marmornen Meisters hinzufügen. Weihnachtsoratorium BWV 248 Die Capilla de la Seu unter der Leitung von Joan Company und das Illes Balears Symphony Orchestra unter der Leitung von Pablo Mielgo konzertieren seit einigen Jahren im Presbyterium der Kathedrale, unter Gaudís Baldachin und neben Jujols provokanten und aufrüttelnden Gemälden. Und so erhaben die Kulisse auch sein mag, so strahlend war auch das Konzert selbst, mit der Sopranistin Irene Mas, dem Countertenor-Sopran Rafael Quirant, dem Tenor Bryan López und dem Bariton Tomeu Bibiloni als Gesangssolisten. Emma Goillot, die Solistin des Orchesters, verzauberte das Publikum mit ihrer Piccolotrompete – einem kleinen, vierventiligen Instrument, das auf D gestimmt ist. Bach-Trompete— in seiner Rede, in der er zusammen mit Tomeu Bibiloni eine hervorragende Leistung vollbrachte Gosser Herr oder Starker König.

Der Konzertsaal an der Strandpromenade war bis auf den letzten Platz gefüllt, um die vermeintliche letzte Sinfonie Ludwig van Beethovens zu hören. Theoretisch, denn es gab ja noch eine spätere, die Zehnte, der nur ein Satz fehlte. So sehr, dass am 7. Mai 1824, als die... Sinfonie Nr. 9, op. 125, in d-Moll im Kärntnertortheater in Wien, bei dem der Komponist anwesend und auf der Bühne war – die sie zum Publikum hin drehen mussten, damit er die Intensität des Applauses genießen konnte; Wenn es nicht vero ist, ist es gut trovato—, die drei Sätze, die das Genie aus Bonn bereits vollendet hatte, wurden ebenfalls aufgeführt. Eine Anekdote, da die Novene Es hat alles überschattet. Zweifellos, und ohne auf rein sportliche Ranglisten einzugehen, steht fest, dass dieses „letzte“ der acht vorhergehenden das imposanteste ist. Die Beschreibung monumental Es ist zu einem Präfix für die Neunte Symphonie geworden, aus dem einfachen Grund, dass es sowohl ein großes Herz als auch ein ausreichend großes Orchester braucht, um diesen großen musikalischen Gipfel zu erreichen.

Zeitreisen, eine seit jeher bestehende menschliche Faszination, wurden durch Studium möglich. Zunächst tauschten sie ihre gewohnten Spielstätten gegen die Kirche La Mercè, die 1661 geweiht wurde – nichts ist Zufall –, genau zu der Zeit, als alle Komponisten dieses Konzerts die Stücke schrieben, die wir letzten Montag hörten. Darüber hinaus spielten sie mit einer Besetzung, die höchstwahrscheinlich der des 17. Jahrhunderts sehr ähnlich gewesen wäre: zwei Violinen, Ramon Andreu und Bernat Martí; ein Cello, Rosa Cañellas; eine Orgel, Pedro Aguiló; und zwei Sopranistinnen, Irene Mas und Raquel Ribas. Es war nicht nötig, die Augen zu schließen, in Doc Browns DeLorean zu steigen oder die von H.G. Wells erdachte Zeitmaschine zu benutzen, und es war auch nicht erforderlich, dass die Musiker des kleinen Orchesters von Studium Aureum unter der Leitung von Carles Ponseti historische Instrumente verwendeten. Alles war viel einfacher; Allein durchs Zuhören erlebten wir eine wunderbare und vielseitige Reise durch den italienischen Barock. Mit so wenig Aufwand begegneten wir gleich zehn zeitgenössischen italienischen Musikern. Der Abend begann mit Girolamo Frescobaldi, mit Canzon seconda, für zwei Violinen und Basso continuo. Schon die ersten Absprachen ließen erkennen, dass die Teleportation gelungen war. Um sicherzugehen, wurden die beiden Soprane für die Aufführung hinzugefügt. Heil der edelsten Jungfrau Jesse, Von Michelangelo Grancini und anderen, darunter Dario Castello, Giovanni P. Cima, Salamone Grassi und Arcangelo Corelli, waren einige vertreten.

Das vierte Konzert des Illes Balears Symphony Orchestra im Auditorium am Passeig Marítim bot neben einem hervorragenden und anregenden Programm noch weitere Attraktionen. Die Neugier war spürbar, mehr oder weniger stark. Das war angesichts der Ankündigung kaum verwunderlich. Raise the Roof. Concerto for Timpani, als Ausgangspunkt. Eine Komposition von Michael Daugherty, einem Schüler von Pierre Boulez und Luciano Berio, aufgeführt vom Perkussionisten Javier Eguillor unter der Leitung von Nuno Coelho. Ein ungewöhnliches Stück, das live seine volle Wirkung entfaltet und die dynamische Energie eines Protagonisten offenbart, der ein ganzes Spektrum an Möglichkeiten auf Pauken und Becken auslotet – von melodischer Stimmung bis hin zur Platzierung eines Beckens auf einer der fünf Pauken in einer konvexen Position (und ich meine wirklich konvex!). Eine immense Vielfalt an Rhythmen macht das Stück zu einer komplexen und ungewöhnlichen musikalischen Singularität. Die Spieldauer von etwas über zwölf Minuten lässt es wie im Flug vergehen. Natürlich gab es eine Zugabe, und direkt im Anschluss wurde ein Fragment von Daughertys Stück wiederholt, als wolle man es noch einmal in seiner ganzen Fülle und mit tieferem Verständnis genießen.

Tomeu Moll-Mas interpretierte und belebte – nur wenige Tage nacheinander – gemeinsam mit Caterina Alorda bei seinem ersten Auftritt und mit Marta Bauzà und Roger Padullés beim zweiten die Werke von Antoni Torrandell und Baltasar Samper, zwei mallorquinischen Komponisten und Zeitgenossen von unbestrittener Qualität und Bedeutung. Dies sind nicht die einzigen Gemeinsamkeiten, denn beide waren nicht nur Mallorquiner und Zeitgenossen, sondern auch hochbegabte Pianisten, die nach vielen Stunden des Studiums in Paris Inspiration und Einfluss suchten, die sie in ihrer Heimat nicht finden konnten. Vielleicht, fast sicher, weil ihnen die Insel zu klein geworden war, aber das ist eine andere Geschichte, die – insbesondere im Fall von Samper – sogar eine Dokumentation verdiente. Wichtig und bedeutsam ist es, diese zu Unrecht vergessenen Partituren wieder ins Licht zu rücken. Ein Licht, das im Falle Torrandells in seiner Heimatstadt Inca im Teatre Principal erstrahlte, wo Tomeu Moll mit gutem Urteilsvermögen in diesem Konzert mit dem Titel „Torrandells Werk“ … Torrandell und Debussy! Sie spielte nicht nur einige ihrer Stücke, insbesondere drei weitere als Zugabe, sondern ergänzte sie auch mit Drucke Und Die fröhliche InselClaude Debussys Werk dient gewissermaßen als Vergleich, um die frappierenden Parallelen zwischen den beiden aufzuzeigen. Sollte man aufgrund seiner Schwierigkeit ein Stück besonders hervorheben, so wäre es der dritte Satz des ersten. Die Gärten bezahlen den Regen. von herausragender Qualität, und zudem wurde es zu seiner Zeit von Ricard Viñes, Torrandells virtuosem Lehrmeister, uraufgeführt. Und Moll-Mas spielte Torrandells Werk. Splendeur du printemos op. 9, Enchantements mistérieux op. 13, Chimere Op. 26 Und Son Alcalde op. 46. Es war beim dritten. Chimäre. Für Rezitator und Klavier, Es existiert eine Aufnahme von Joan Moll und Biel Mesquida, in der Caterina Alorda das wunderschöne und bezaubernde Gedicht rezitierte, begleitet vom Klavier. Die Klavierbegleitung schuf einen stimmungsvollen Hintergrund, der die Bedeutung und den Wert der Worte noch verstärkte. Ein magischer Moment. Moll-Mas seinerseits fügte seinerseits eine wichtige, sinnliche Energie hinzu und machte den Abend zu weit mehr als einer wohlverdienten Hommage. Eine Leinwand diente als passender Hintergrund, auf der man immer wieder die Hände des Pianisten sehen konnte. Ein zusätzlicher Mehrwert.

Wieder, Das Elisir Er erweckte erneut den Eindruck, dass er predigt Jocoso Doktor Dulcamara, zu diesem Anlass vom großen Ambrogio Maestri gesungen, ist eine Rolle, die er im Laufe seiner Karriere so oft verkörpert hat, dass sie zu einem paradigmatischen Kanon geworden ist. Und trotz des Nachlassens seiner Stimme ist er immer noch der gewandte Verkäufer des Allheilmittels. Javier Camarena/Nemorino, der vor dreizehn Spielzeiten in dieser Rolle am Liceu debütierte, war derweil immer noch krank, und Michael Spyres übernahm, der sie, wohlgemerkt, erst am Vortag gesungen hatte. Am Ende fast jeder der berühmtesten und gefeiertsten Arien gab es wenig Applaus, bis er die berühmte... Eine heimliche TräneDamit weckte er das Publikum auf, als hätte man eine Glühbirne zertreten. Ein bisschen unfair, aber das wurde später wieder gutgemacht, und die Party endete wie immer mit einem Publikum in Ekstase, das Dulcamara bei ihrer obligatorischen Zugabe – der üblichen – lautstark begleitete. Udite, Udite Oh! Rusticio.

Die Woche, die mit Cati Moyà beginnt

Ich werde besuchen Besuchen Sie den TACA-Raum in der Sant Feliu Straße in Palma, um die neuesten Werke des Künstlers zu entdecken. Lluís Juncosa, eine Einzelausstellung mit dem Titel (ROAR) Schießen im karmischen Stuhl Die Ausstellung ist dem Andenken an Julià Homar gewidmet. Sie vereint 23 Zeichnungen von Juncosa aus den Jahren 2003 bis 2023, die wiederkehrende Themen ihres Schaffens aufgreifen und mit überwältigender visueller und erzählerischer Kraft fesseln. Laut Ausstellungsplakat thematisieren die Bilder unter anderem Körper ohne Organe und sind Teil einer Serie, „die noch nicht enthüllt wird“. le privilège des mouseis" und einer „zukünftigen Veröffentlichung mit dem Titel“ Dermopolitik"Die

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