Viertes und letztes Konzert des Bellver Festivals mit dem Orquestra Simfònica Illes Balears als Protagonisten der bereits etablierten Veranstaltung. Als Zugabe der Saison, obwohl es ein anderes Publikum ist, diese Umstände, die je nach Ort der Aktivitäten auftreten. Auf jeden Fall sind die vier Konzerte der Formation in der symbolträchtigen Burg bereits Tradition und der Ort füllt sich Tag für Tag. Das letzte war keine Ausnahme und, wenn bisher die Solisten die Protagonisten waren, war für diesen Anlass der britische Dirigent Michael Francis derjenige, der dem Konzert seine persönliche Note verlieh. Britische Note, wie auch das Programm, das aus drei Komponisten derselben Nationalität und fast derselben Generation besteht, wie Edward Elgar, Benjamin Britten und Ralph Vaughan Williams. Die ausgewählten Stücke wurden in chronologischer Reihenfolge aufgeführt, so dass man in kurzer Zeit eine kleine Entwicklung der klassischen Musik im alten Reich nachvollziehen konnte.

Festende, großes Fest, mit einem Falstaff von echtem Luxus, den wir zudem sicher nie vergessen werden, denn es ist die letzte Oper, die Josep Pons als künstlerischer Leiter des Gran Teatre del Liceu inszeniert. Daher ein herzlicher Abschied für denjenigen, der uns 14 Spielzeiten lang viele unvergessliche Abende geschenkt hat. Einer davon zweifellos diese dritte Vorstellung, die zweite der ersten Besetzung der letzten Oper von Giuseppe Verdi. Er sagte, er schreibe sie nur zum Spaß. Sein Librettist, der unverzichtbare Arrigo Boito, sagte, er wolle „die Shakespeare-Orange eintunken, ohne dass die nutzlosen Kerne in den Becher fallen… Das ist sehr schwer, muss aber leicht erscheinen“. Kenner sagen, es sei seine beste Schöpfung, zusammen mit dem Requiem und der vorherigen Oper, Othello. Nun werden wir uns nicht in die Debatte über Ranglisten einlassen, die gegen das Wesen der Kunst verstoßen, aber es ist nicht weniger wahr, dass sie nicht die Anziehungskraft vieler anderer Werke des Meisters von Busseto in aller Munde hat. Auf jeden Fall, ob mehr oder weniger kommerziell, steht außer Zweifel, dass es sich um ein unbestrittenes Meisterwerk handelt. Ein guter Beweis dafür ist die Produktion des Teatro Real, der Monnaie de Brüssel, der Opéra National de Bordeaux und der Tokyo Nikkita Opera Foundation, inszeniert von Laurent Pelly, die wir vor sechs Spielzeiten in Madrid sehen konnten.Es ist zweifellos ein Privileg, sie mit dem bestmöglichen Falstaff genießen zu können, Luca Salsi, und nicht zu vergessen, dass Ambroggio Maestri der andere ist, der beauftragt ist, die berühmte Figur zu interpretieren, so berühmt, dass sie in drei Stücken von Shakespeare vorkommt, in den beiden von Heinrich IV und Die fröhlichen Weiber von Windsor, von Orson Welles im Kino verewigt. Obwohl es sich um eine ebenso komische wie erbärmliche Figur handelt, wäre es am einfachsten, sie zu einer Karikatur zu machen, aber Pelly trifft den richtigen Ton und seine Eigenschaften werden zu einem sehr genauen Porträt mit viel mehr Tiefe und Substanz, als man bei einer ersten Annäherung erkennen könnte. Salsi, unermesslich, von Anfang bis Ende, von Kopf bis Fuß, glänzend mit der Grundsatzerklärung des Prahler, Die Ehre! Diebe!, eine Explosion von Kontrasten, mit der die Vorstellung eröffnet wird. Die Messlatte liegt sehr hoch. Die anderen ließen das Niveau nicht sinken, wie zum Beispiel der Fenton von Lucas Maechem, mit der gleichen Dosis Bühnenpräsenz wie sein „Rivale“. Die Nannetta von Serena Sáenz und die Alice von Carolina López Moreno, tadellos und mit der Anmut, die beide Charaktere benötigen. Alles perfekt ausbalanciert, alle werden zum perfekten Komplement füreinander, aber man muss sagen, dass die Quickly von Daniela Barcelona einen Mehrwert hatte. Mit jeder Intervention wurde sie komischer als die vorherige. Ein Chorensemble mit einer nahezu perfekten Verteilung der Protagonisten und einer Produktion, bei der alles stimmte. Wie zu erwarten, hatte Josep Pons bereits mögliche kleine Ungleichgewichte vom Premierenabend behoben und bot eine tadellose Interpretation einer Partitur mit großer harmonischer Vielfalt, die mit der Anwesenheit des Chores endet, so minimal wie effektiv.

Sentir Fullana den Mary Portman von Guarneri ist immer ein unbeschreibliches Vergnügen. Donnerstag, beim dritten Konzert des Bellver Festivals war keine Ausnahme, ganz im Gegenteil. Francisco Fullana zeigte wieder einmal eine Demonstration seines Talents, seiner Dankbarkeit und seines Engagements für das, was auf irgendeine Weise und zweifellos auch sein Orchester und sein Publikum ist. Das beweist er immer wieder. Tatsächlich sind wir, selbst diejenigen von uns, die ihm seit Jahren bei jedem einzelnen seiner Auftritte zu Hause zuhören, uns seines stratosphärischen Niveaus wahrscheinlich nicht bewusst genug. Vielleicht liegt es daran, dass es in unserer DNA liegt, aber das ist eine andere Geschichte.

Zweites Konzert in Bellver. Selten. Besonders. Herzlich. Aus verschiedenen Gründen. Das erste finden wir im Solisten, Josep Colom, dem Verantwortlichen für die Interpretation des ".Klavierkonzert Nr. 27 KV 595, von Wolfgang Amadeus Mozart. Ein außergewöhnlicher Musiker in vielerlei Hinsicht, der keine Legende, sondern Musikgeschichte in Großbuchstaben ist. Ein exzellenter und eigenwilliger Pianist, so sehr, dass jede seiner Interpretationen ein eigenes Gütesiegel trägt, ohne das Original zu verraten. Donnerstagabend war da keine Ausnahme, mit einer typischen Kadenz. Unermüdlich. Er würde nie aufhören zu spielen. Aber darüber hinaus war er ein Lehrer, von dem alle Schüler Wunder sprechen, sowohl mit Zuneigung als auch mit Bewunderung. Pablo Mielgo erzählte vom Pult, dass er ihn mit 11 Jahren gespielt hatte und dass es daher eine Ehre sei, ihn begleiten zu können. Seine Interpretation dieses späten Mozart, obwohl er erst 35 Jahre alt war und weniger als ein Jahr zu leben hatte, war sorgfältig, aber als der beste Colom zum Vorschein kam, war es mit dem Zugabe, dem "ersten\]Rondo in D-Dur KV 485, auch von Mozart. Es war, als ob der erste Auftritt eine Vorbereitung gewesen wäre. Sicherlich hätte er das Niveau gesteigert, wenn er weitergespielt hätte. Es ist klar, dass es immer ein Luxus und natürlich ein Vergnügen ist, Josep Colom zu sehen und zu hören.Ein weiterer Grund, der die Adjektive verkündet, findet sich in der Formation. Einige Mitglieder der Symphonika, begleitet von anderen der Kleinen Symphonika, bestehend aus Schülern zwischen 10 und 16 Jahren, denen Mielgo neben dem Preis, der das Teilen der Bühne mit den bereits professionellen Musikern bedeutet, die erste Dosis des Giftes des Applauses verabreichte. Alle zeigten, dass sie aus eigener Leistung dort oben waren, mit einigen Soli, bei denen wir mit geschlossenen Augen nicht hätten erraten können, wer dafür verantwortlich war. Ein Erfolg für Mielgo und ein Ansporn für sie, deren Teilnehmerzahl in der zweiten Hälfte gestiegen war. Eine zweite Hälfte, die mit einer Auswahl von Themen aus La boutique Fantasque, von Ottorino Respighi, einer orchestralen Suite des Balletts, das von Rossinis Musik inspiriert ist, begann. Lustig, fröhlich, ideal. Danach ein Klassiker, Die Moldau. Beschreibend, suggestiv, süß. Alles in Ordnung, sogar das Niveau des Konzerts war etwas überraschend. Um das Fest zu beenden, Rhythmus, Qualität, der Danzón Nr. 2, von Arturo Márquez. Es bedarf keiner Erwähnung, dass das Schloss wieder bis auf den letzten Platz gefüllt war.

Das Tandem Tschaikowski-Dogadin war für die Eröffnung dieser neuen Ausgabe des Bellver Festivals zuständig, als Anhang der Saison des Symphonieorchesters der Balearen, in einem unvergleichlichen Rahmen, der zwar ein Klischee, aber unbestreitbar ist. Pablo Mielgo dirigierte die Aufführung und zeigte erneut eine gute Chemie mit dem jeweiligen Solisten. Sergei Dogadin war bereits zwei Mal zuvor mit denselben Begleitern aufgetreten. In der Saison 23/24 spielte er das "

Vierzig Aufführungen und seit vielen Jahren ausverkauftes Haus sind ein guter Grund zur Freude, und natürlich ist es eine der besten Möglichkeiten, die Saison mit einer Aufführung von Rigoletto abzuschließen und dem Ereignis Gerechtigkeit widerfahren zu lassen. Es birgt auch ein gewisses Risiko. Um ein gutes Ergebnis zu erzielen, bedarf es Stimmen auf höchstem Niveau. Damiano Salerno als Rigoletto und Génesis Moreno als Gilda waren dafür verantwortlich und haben das Jubiläum feierlich begangen. Zweifellos überstrahlten sie den Rest des Ensembles, das aber auch nicht schlecht war. Die entscheidenden Momente der Vorstellung entstanden jedoch, als die beiden die Hauptprotagonisten waren. Ihre Duette waren anthologisch. Sie begannen ihr Konzert mit dem gefühlvollen und zarten Figlia! Mio padre! Sie setzten fort mit dem gewaltigen Mio padre!…Tutte la feste al tempio. Sie steigerten die Tragödie mit dem Schlussduett, V’ho ingannato, colpevole fui und Lassú in cielo. Allein diese drei Momente hätten ausgereicht, um ein Publikum zufriedenzustellen, das die Protagonisten stehend verabschiedete, nach dem verzweifelten Seufzer Rigolettos: „La maledizione“. Dies war der Titel, den Giuseppe Verdi wollte. Ein unbedeutendes Detail für ein makelloses und unerbittliches Stück. Strukturell perfekt, was beide Protagonisten zu einer detaillierten, minutiösen und natürlich sehr anspruchsvollen existenziellen Metamorphose zwingt. Sowohl Rigoletto als auch Gilda, der Bucklige und die Tochter, entwickeln sich sowohl stimmlich als auch dramatisch weiter, je nachdem, wie sich die Umstände ergeben und verändern. Salerno und Moreno erfüllten ihre Aufgabe mit Bravour und noch mehr. Génesis Moreno hatte bereits vor zwei Spielzeiten im Teatre Principal nicht wenige ihrer Tugenden gezeigt, als sie Gounods Julia darstellte. Daher konnte ihre Wahl zur Darstellung der Gilda nicht besser sein. Wenn die gesamte Aufführung unvergesslich war, so war eine gewaltige und überwältigende Darbietung von Wärme, Ausdruckskraft, Koloratur, Atem… die meisten wie gebannt zurückließ, mit einem unvergesslichen „Caro nome“. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, zu den Darbietungen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einem gefühlvollen und kraftvollen „Cortigiani, vil razza dannata“, reich an Nuancen und voller Schwierigkeiten, uns keinen der Großen vermissen ließ, die die komplizierteste und komplexeste Figur der Verdi-Produktion interpretiert haben. Hervorzuheben sind die Projektion, die komplizierte Verbindung von Heftigkeit und Subtilität sowie eine makellose Diktion und Vokalisierung. unvergesslich. Nichts zu sagen, sondern ganz im Gegenteil, mit den Interventionen eines Damiano Salerno, mit einer vollen und runden Stimme, der mit einer emotionalen und kraftvollen

Die Orbitans setzen ihren alternativen theatralischen Weg fort. Wenn ihre übliche Heimat die Theken vieler Straßencafés in der Stadt waren und sind, erkundeten sie kürzlich ein anderes Territorium für eine andere Art von Dramaturgie und zweifellos für ihr bereits etabliertes Publikum. Der erste Test fand im Zimmer eines Hotels, des Ars Magna, unter dem Titel Píccolo. Ein Erfolg. Deshalb ein zweiter Versuch, am selben Ort und mit nicht wenigen Garantien, der unter dem Titel Estranyes visites von Javier Gato Matesanz geschrieben und inszeniert wurde, mit Mariona Hauf und Joan Manel Vadell in den Hauptrollen.

Los Estunmen kommen in die Teatros del Canal, nachdem sie das Lliure de Barcelona mit allen Segnungen und dem Segen des Liceu und des Real passiert haben, aber mit dem Zögern, als ob ein Produkt dieser Eigenschaften noch nicht genügend Garantien für die Aufführung in den Stammhäusern hätte. Vielleicht sind es nur Vorurteile, was nach dem Anblick einer opernhaften Kreation im großen Haus, in beiden und in vielen anderen, die "deunidó" war, nicht verstanden wird. Es ist klar, dass die Urheber der Schöpfung, Nao Albet und Marcel Borràs, die Rolle - die auch ein Spiel ist, das perfekt zu diesem Baby passt - der Transgression gespielt haben und dies bereits ab dem Titel ankündigen. "Els estunmen" ist nichts anderes als die Aussprache von "stuntmen", den Spezialisten, den Doubles der Protagonisten, denen, die da sind und so tun, als ob sie es wären. Die "cappares", Albet und Borràs, sagen, es sei eine Oper, und wahrscheinlich haben sie Recht und Gründe, sie in dieses Genre einzuordnen, in dem die Zeitgenossenschaft immer fast unüberwindbare Barrieren findet. Die Musik stammt von Fernando Velázquez, der anstatt zu transgressieren eine präzise und passende Allianz nicht weniger operner Epochen schmiedet, obwohl, wenn die Geschichte unter anderem von Helden handelt, wer wäre besser als Wagner als große Inspirationsquelle. Aus diesem und vielen anderen Gründen stehen wir vor einer "guesamcunstverq", wie das Gesamtkunstwerk des Herrn von Bayreuth ausgesprochen wird.

Diesen Mittwoch, den 3. Juni, im Rahmen der Buchmesse Palma, auf der Plaça d’Espanya, wird Pere Estelrich i Massutí seine Artikelsammlung mit einem gemeinsamen Nenner und einem sehr aussagekräftigen Titel vorstellen: Cròniques Wagnerianes, herausgegeben von Edicions Documenta Balear in der Sammlung Menjavents. Estelrich braucht keine Einführung. Er ist aus eigenen Verdiensten bekannt. Mathematiker, schreibt, verbreitet Wissen und streut Weisheit überall aus: in Zeitungen, im Radio, wo immer seine Kenntnisse gefragt sind. Er schreibt, wie er spricht, klar und unterhaltsam, wie es nur jemand kann, der einen reichen Erfahrungsschatz von vielen Jahren und nicht wenig Arbeit mit sich trägt, die mit Leidenschaft ausgeführt wurde, welche seine Worte unbestreitbar vermitteln.

Obwohl Alexandre Ballester bereits vor fünfzehn Jahren von uns gegangen ist, wird er für immer in der Erinnerung derer bleiben, die seine Kunstfertigkeit, seinen Charme und seine Scharfsinnigkeit genossen haben. Dass das Teatre Principal Palma beschließt, es allen zugänglich zu machen, die nicht das Glück hatten, uns zu erleben, ist zweifellos nicht nur ein Erfolg, sondern auch eine wohlverdiente Ehrung. Die Produktion hingegen ist vom Feinsten, mit einer grandiosen Bühnenbildgestaltung, die jedoch durch ihre Mobilität für andere Bühnen der Insel eingeschränkt ist, und einer Luxusbesetzung, angeführt von Miquel Àngel Torrens, zusammen mit Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila und Patxi Arostegui. Das Stück "Un baül groc per a Nofre Taylor", das einst Joan Lluís Bozzo auf die alternativen katalanischen Bühnen brachte, kurz vor der Gründung von Dagoll Dagom, war in der Kiste der vergessenen Stücke verschwunden. Marga López war für diese Wiederentdeckung verantwortlich, für dieses hyperrealistische Porträt der menschlichen Verfassung, denn das ist, und nichts anderes, Ballesters Stück. Die Züge des Reichen und Mächtigen haben sich weder wenig noch gar nicht verändert, denn sie waren schon immer so, seit Anbeginn der Zeit. Dies wäre eine sorgfältige, aber einfache Lesart, denn die Untertanen der Kaiser/Unternehmer spielen ebenfalls immer die gleiche Rolle, die der Unterwerfung. Darüber hinaus könnten wir jedem einzelnen der auftretenden Charaktere Namen und Nachnamen von bekannten Personen geben, so bekannt, dass sie vielleicht unsere eigenen sind. Ballesters Pinsel ließ nie eine Ecke unbemalt.

Das Programmheft von Calidoscopi, der neuesten Kreation von Estudi Zero, besagt, dass „die Charaktere sich durch absurde, gewalttätige oder zutiefst menschliche Situationen bewegen“. Stimmt, aber es wäre noch viel mehr so, wenn die Konjunktion kopulativ und nicht disjunktiv wäre. Wenn die Situationen absurd und gewalttätig sind, ist klar, dass sie unbestreitbar sehr menschlich sind. Die Karikatur entstellt die Realität nicht, sondern akzentuiert sie, so dass dieser kühne, irrationale und skurrile Punkt die metaphorische Darstellung der menschlichen Verfassung wirkungsvoller macht. Dass die Vorstellung aus verschiedenen kleinen Geschichten besteht, verleiht ihr das Siegel von Sans, so dass sie uns auf jene Reise mitnimmt, die in diesem selben Saal Karl Valentin steuerte. Für diesen Anlass sind verschiedene Autoren in der Besetzung von Calidoscopi vertreten – Esteve Soler, Juan Mayorga und Joël Pommerat –, was dazu führt, dass die Art der verschiedenen Sketche die Wärme jedes einzelnen sehr steigert. Es gibt keinen weißen Humor. Alle enthalten eine hohe Dosis Gift, im gleichen Verhältnis wie Ätzendes und Sarkasmus und ohne Angst, rote Linien zu überschreiten.Esteve Soler, Juan Mayorga und Joël Pommerat – was die unterschiedliche Art der verschiedenen Sketche ausmacht, die die Hitze jedes einzelnen ein wenig steigert. Es gibt keinen weißen Humor. Alle enthalten eine hohe Dosis Gift, im gleichen Verhältnis wie Schärfe und Sarkasmus, und scheuen sich nicht, rote Linien zu überschreiten.

Der malerische Kreuzgang von Sant Bonaventura beherbergte die Zeremonie der wirbelnden Derwische, organisiert von der Toni Catany Stiftung, die, wie im Programmheft steht, eine Vorliebe für die Kulturen des Mittelmeers hatte, die sie bereiste und von denen sie künstlerische Zeugnisse in unzähligen Fotoserien hinterließ. Es ist keine Show, es istRobert Graves sagte im Vorwort zu The Sufis von dem Gründungsdenker Idries Shah, dass „Sufismus einen Strom innerer Erleuchtung darstellte, der auf Liebe und Selbsterkenntnis zentriert war, frei von unterdrückenden Dogmen“. All dies wurde in dieser Darstellung der Musik und Tänze der klassischen Mevlevi-Sufi-Tradition deutlich. Der Saal war voll; die Stille absolut, ehrfürchtig. Als ob es sich um einen Gottesdienst mit all seiner mystischen Bedeutung handelte. Die asketischen Bewegungen der Derwische gaben die spirituelle Eigenart der Aufführung vor und zeigten gleichzeitig eine sowohl ästhetische als auch nüchterne und zönobitische Kadenz.Die Musik, gefühlvoll und tiefgründig, mit den traditionellen melodischen Phrasen der Maqamat, die, während die Stimmen die Namen der Propheten rezitierten, der Darbietung die reine und transzendente Legierung zwischen dem einen und dem anderen verliehen. Es war das Gefühl, dass alles viel mehr war, als unsere Sinne auf den ersten Blick erfassen konnten. Es war eine passende und emotionale Hommage, aber auch eine Tür, die sich zu einer anderen Art zu sehen und zu leben öffnete.

Es gibt Momente in der Oper, die immer und ausnahmslos absolut unvergesslich sind. Das sind jene, bei denen, wenn der Sänger oder die Sängerin gerade die berühmteste Arie der Komposition zu Ende gespielt hat, der Applaus des Publikums einen besonderen, sehr beredten, ja sogar fordernden Ton hat. Und wenn sie fast immer an Intensität verlieren, steigen in diesen Fällen die Dezibel exponentiell an. Der Protagonist schweigt zuerst, respektvoll und dankbar, ohne jede Bewegung, nicht einmal die kleinste, die die Party unterbrechen könnte, die die Zuschauer von dort oben begonnen und den Rest angesteckt haben. Er blickt zum Dirigenten. Dieser wartet aufmerksam darauf, dass der Protagonist zustimmend die Augen schließt und damit bestätigt, was mehr oder weniger jeder bereits klar hatte. Und so beginnt erneut die Apotheose, die Zugabe. Für die Mallorquiner, die wir dort waren, hatte es einen Mehrwert, die erste, die Xabier Anduaga sang, mit Una furtiva lagrima, fand im Teatro Principal de Palma statt. Am Sonntag, bei der dritten Aufführung seines ersten Werther, explodierte das Liceu und machte den Abend unvergesslich, zu jenen, die man nicht vergisst. Xabier Anduaga gab zum ersten Mal bei seinem Debüt als der tragische Charakter schlechthin die berühmte und legendäre Pourquoi me réveiller. Eine Umstand, der den Rest der Vorstellung zu einer reinen Anekdote hätte machen können.

Die Herausforderung war sehr riskant. Die liaison zwischen dem Teatre Principal von Inca und dem Kammerorchester von Mallorca trägt immer schmackhaftere Früchte. Davon abgesehen muss dieser jüngste Erfolg gelobt werden, der sicherlich nicht der letzte sein wird, und zwar die vollständige Inszenierung von Nicht unbeteiligt daran ist, sondern ganz im Gegenteil, Bernat Quetglas, der Chefdirigent des Orchesters, des Projekts und der Aufführung. Eine gut gemachte Arbeit, bei der er dem Publikum nicht viele Gelegenheiten gegeben hat, seine Zustimmung mit den üblichen Fächern zu bekunden, so oft es hätte geschehen können. Aber nicht weniger wahr ist, dass er auf diese Weise der Handlung einen grundlegenden Pluspunkt an Kontinuität verliehen hat. Gleichzeitig hat er der Formation eine musikalische Spannung mit optimalen Ergebnissen verliehen, und als große Errungenschaft würde ich das unerlässliche musikalische Gleichgewicht hervorheben, das die Aufführung zu jeder Zeit prägte. Eine maßvolle, abgewogene und gemäßigte Aufführung, bei der es fast unmöglich ist, den einen oder anderen hervorzuheben.

„Ich stehe am Schwellenpunkt der Vollkommenheit“, schrieb Mozart 1790 in einem Brief, dem Jahr der Uraufführung von Così fan tutte, oder La scuola degli amanti. Christoph Wolff zitiert dies in seinem Essay und macht es zum Titel des Buches, das von Ramón Andrés ins Deutsche übersetzt und von Acantilado veröffentlicht wurde. Er erzählt unter anderem, dass das Libretto, das Da Ponte Mozart vorlegte, den Titel trug, der zum Untertitel wurde, Mozart aber aus musikalischen und wohl auch anderen Gründen den Titel, den wir alle kennen, für geeigneter hielt. Es muss gesagt werden, dass Da Ponte den Namen, unter dem das Werk in die Geschichte und seine „Memorias“ eingegangen ist, niemals anerkannte. Er erwähnt ihn nur einmal in einem kleinen Absatz, in dem er erzählt, er habe ein drittes Stück für eine Sängerin geschrieben, die er nicht namentlich nennt, die aber Adriana del Bene war, bekannt als die Ferrarese, seine damalige Geliebte. Es waren El pastor Fido und La xifra von Salieri und La scuola degli amanti von Mozart, „ das den dritten Platz unter den Schwestern einnimmt, die aus diesem berühtesten Vater der Harmonie hervorgegangen sind“. Kein Wort mehr. Es wird deutlich, dass die Interpretation des Werks zwischen beiden konzeptionell sehr unterschiedlich war, zumindest was den Titel betrifft. Mozart seinerseits legte Wert auf das weibliche Verhalten, während Da Ponte eine philosophische, revolutionäre und sicherlich viel raffiniertere und tiefgrünere Lesart suchte und fand.

Die Klassiker aufgreifen und von dort aus erzählen, was man erzählen will, war der erzählerische Kniff, mit dem Miquel Mas Fiol diese 'Millennial' Condition-Trilogie inszeniert hat. Der Autor und Regisseur hat sich nicht lumpen lassen. Das erste Opfer war Voltaire; das zweite, Goethe, und das dritte, Victor Hugo. Kandide oder die beste aller Welten, Die Leidendes jungen Werthers und dieses letzte, Die Elenden, waren das MacGuffin für den Autor, um seine Rede zu entfachen, die darauf basiert, Spaß zu haben, ohne jemandem auch nur einen Kopf auf den Schultern zu lassen. Kein einziger Stock aufrecht, ausnahmslos. Der erste, sein eigener, schon bevor die Vorstellung begann, mit zwei der Protagonisten, die Schmähungen gegen den Autor schleuderten. Von Missbraucher bis Ausbeuter… während die Leute den Saal betraten. Dies ist seine Lizenz, die Freikarte, die ihm erlaubt, gnadenlos zu schlagen, nach Belieben, jenseits aller roten Linien.

Neuntes Konzert der Saison des Symphonieorchesters Illes Balears im Auditorium von Ciutat, das mit dem eigenwilligen Konzert für Vögel und Orchester des finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara unter der Leitung eines Dirigenten von enormer Präsenz in jeder Hinsicht, wie dem Norweger Rune Bergmann, begann. Er war zweifellos derjenige, der das Konzert zu einem Spektakel von entsprechenden Dimensionen machte. Kurz nach der ornithologischen Komposition kam der erste Höhepunkt des Programms mit der Pianistin Olga Kern als Hauptdarstellerin, um das Konzert für Klavier und Orchester in a-Moll op. 54 von Robert Schumann zu interpretieren. Sie begann den ersten Satz mit einem sehr soliden, etwas steinigen Stil und einem sehr festen Puls, von dem entschlossenen Eintritt des Klaviers mit einer martialischen und kraftvollen Abfolge absteigender Akkorde bis hin zur polyedrischen Kadenz des Finales, von wo aus die Koloratur der Komposition mit ebenso viel Präzision wie Eleganz gesteigert wurde. Ihre Interpretation steigerte sich in Niveau und Zartheit, wie zum Beispiel im Andantino grazioso, einem unterhaltsamen Dialog zwischen Orchester und Klavier, der sich nach und nach in einen zarten und subtilen Monolog des Soloinstruments verwandelte. Kern machte ihre Meisterschaft und ihre Fähigkeit, all diese Reihe von Variationen und Stilen anzudeuten, die Schumann in die Partitur einarbeitete, auf eine für seine Zeit sehr neuartige Weise deutlich. Die Solistin nahm mit neuem Schwung den energischen Ton des Anfangs wieder auf, in einem stürmischen dritten Satz, als sie plötzlich einen köstlichen neuen Dialog, diesmal mit der Oboe, etablierte, wie eine Ankündigung der außergewöhnlichen finalen Coda, die nur als außergewöhnlich bezeichnet werden kann und die Protagonistin dazu brachte, den enthusiastischen Applaus des Publikums entgegenzunehmen. Wie es sein musste und wie alle erwarteten, gab es eine Zugabe, zuerst ein Prélude von Claude Debussy, das nie enttäuscht oder gleichgültig lässt. Makellos. Und auf die Bitte in Form einer Ovation folgte eine weitere kleine Perle von Nikolai Myaskovsky, eine Klavierbearbeitung von Joseph Horovitz.

Neuntes Konzert der Saison des Orquestra Simfònica Illes Balears im Auditorium de Ciutat, das mit dem eigenartigen , des finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara, unter der Leitung eines Dirigenten mit enormer Präsenz in jeder Hinsicht, des Norwegers Rune Bergmann, begann. Er war es zweifellos, der das Konzert zu einem Spektakel von seinen Dimensionen entsprechenden Ausmaßen machte. Direkt nach der ornithologischen Komposition kam der erste Höhepunkt des Programms mit der Pianistin Olga Kern als Hauptdarstellerin, um das Konzert für Klavier und Orchester in a-Moll op. 54 von Robert Schumann zu interpretieren. Er begann den ersten Satz mit einem sehr soliden, etwas felsigen Stil und einem sehr festen Puls, vom entschlossenen Eintritt des Klaviers mit einer martialischen und kraftvollen Abfolge absteigender Akkorde bis hin zur polyedrischen Kadenz des Finales, von wo aus er die Koloratur der Komposition mit ebenso viel Präzision wie Eleganz steigerte. Seine Interpretation steigerte sich in Niveau und Zartheit, wie zum Beispiel beim Andantino grazioso, einem unterhaltsamen Dialog zwischen Orchester und Klavier, der sich nach und nach in einen zärtlichen und subtilen Monolog des Soloinstruments verwandelte. Kern zeigte ihre Meisterschaft und ihre Fähigkeit, all diese Variationen und Stile, die Schumann seinerzeit auf neuartige Weise in die Partitur integriert hatte, anzudeuten. Die Solistin nahm wieder den energischen Ton des Anfangs auf, in einem stürmischen dritten Satz, als sie plötzlich einen köstlichen neuen Dialog, diesmal mit der Oboe, etablierte, als Ankündigung der außergewöhnlichen Schluss-Coda, die nur als außergewöhnlich bezeichnet werden kann und der Protagonistin die begeisterten Ovationen des Publikums einbrachte. Wie es sein musste und wie alle erwarteten, gab es eine Zugabe, zuerst ein Prélude von Claude Debussy, das nie enttäuscht oder gleichgültig lässt. Makellos. Und angesichts der Bitte in Form einer Ovation, ein weiteres kleines Juwel von Nikolai Myaskowski, eine Klavierbearbeitung von Joseph Horovitz.

Dritte Folge einer neuen Spielzeit im Teatre Principal d’Inca, Heimat des Kammerorchesters von Mallorca, das wir in der Kirche von Llubí wieder hören durften. Ein Programm, das für sich genommen schon sehr verlockend war, mit einem Schwierigkeitsgrad, der ihm einen Mehrwert verlieh, und mit einer unbestreitbaren Figur, Eduardo Ríos, Geiger der Berliner Philharmoniker, als Solist, der für diesen Anlass beauftragt wurde, dem Violinkonzert und Orchester in D-Dur, op. 6, Leben einzuhauchen. Eines der kompliziertesten Konzerte und das einzige, das Ludwig van Beethoven für dieses Instrument komponierte. Eine Komposition, die, wie so viele andere, ihre Legende mit sich trägt. Uraufgeführt von Franz Clement, erhielt er die Partitur kurz vor dem Konzert und spielte sie, als wäre es fast eine erste Lesung, fügte aber außerdem eine eigene Sonate als Kadenz hinzu, die auf einer einzigen Saite und mit umgedrehter Geige gespielt wurde. So schwierig war die Ausführung des Konzerts, dass die Virtuosen der damaligen Zeit es für unspielbar hielten, bis sechsunddreißig Jahre nach der Uraufführung, im Alter von dreizehn Jahren und unter der Leitung von Felix Mendelssohn, Josef Joachim es auf den Sockel stellte, der ihm gebührt und von dem es nie wieder heruntergekommen ist.

Dritte Folge einer neuen Spielzeit im Teatre Principal d’Inca, Heimat des Kammerorchesters von Mallorca, das wir in der Kirche von Llubí wieder hören durften. Ein Programm, das für sich genommen schon sehr verlockend war, mit einem Schwierigkeitsgrad, der ihm einen Mehrwert verlieh, und mit einer unbestreitbaren Figur, Eduardo Ríos, Geiger der Berliner Philharmoniker, als Solist, der für diesen Anlass beauftragt wurde, dem Violinkonzert und Orchester in D-Dur, op. 6, Leben einzuhauchen. Eines der kompliziertesten Konzerte und das einzige, das Ludwig van Beethoven für dieses Instrument komponierte. Eine Komposition, die, wie so viele andere, ihre Legende mit sich trägt. Uraufgeführt von Franz Clement, erhielt er die Partitur kurz vor dem Konzert und spielte sie, als wäre es fast eine erste Lesung, fügte aber außerdem eine eigene Sonate als Kadenz hinzu, die auf einer einzigen Saite und mit umgedrehter Geige gespielt wurde. So schwierig war die Ausführung des Konzerts, dass die Virtuosen der damaligen Zeit es für unspielbar hielten, bis sechsunddreißig Jahre nach der Uraufführung, im Alter von dreizehn Jahren und unter der Leitung von Felix Mendelssohn, Josef Joachim es auf den Sockel stellte, der ihm gebührt und von dem es nie wieder heruntergekommen ist.